I Will Be Right There: Ida Sand CD / Vinyl (LP, 180g) / digital  Ida Sand vocals, Wurlitzer, piano Ola Gustafsson guitars, banjo, pedal steel Jesper Nordenström Hammond organ, synthesizers Per Lindvall drums, percussion Dan Berglund electric and double bass Pablo Cepeda percussion Komplett uneitel, nahbar und ohne jede Affektiertheit – und dennoch mit dem Glanz einer Diva im positivsten Sinne: Die schwedische Sängerin, Pianistin und Songwriterin Ida Sand hat sich in den vergangenen 20 Jahren seit ihrem ACT-Debüt „Meet Me Around Midnight“ ohne jedes Aufhebens um ihre Person und mit vollem Fokus auf die Musik zu einer der beliebtesten Künstlerinnen des europäischen Soul-Jazz entwickelt. Ob ganz bei sich, mit Stimme und Piano, oder auf den größten Bühnen an der Seite von Nils Landgren oder der SWR Big Band – es sind Ida Sands Wärme und Echtheit, die ihr Publikum berühren. Und natürlich ihre rauchig-sonore Stimme, die man beim ersten Ton wiedererkennt.Diese Eigenschaften, das Echte, Seelenvolle, sind es auch, die die Musik auf Ida Sands neuem Album „I Will Be Right There“ so anziehend machen. Beim Hören fühlt es sich tatsächlich so an, wie der Titel es andeutet: als sänge Ida Sand in diesem Moment nur für einen selbst. „Die Songs auf dem Album sind das Ergebnis meiner persönlichen Innenschau und Auseinandersetzung mit den Beziehungen in meinem Leben und der Frage, was ein gesundes Miteinander ausmacht“, sagt Ida Sand. „Ich wollte in Worte fassen, wie wichtig mir Verantwortungsbewusstsein und bewusstes Handeln in Beziehungen sind und dass wir manchmal unsere Kommunikation und unser Gespür im Umgang mit anderen Menschen schärfen müssen.“Die musikalischen Zutaten des Albums bewegen sich zwischen Soul, Rhythm ’n’ Blues, Folk und Americana. Auch wenn sich Ida Sand oft im Jazz-Umfeld bewegt, kommen die Stücke ohne lange Soli und Improvisationen aus. Es sind vielmehr die kleinen, spontanen Verzierungen und Variationen, der subtile Swing vieler Grooves und die harmonische Tiefe der Stücke, die dezent in Richtung Jazz weisen. Neben sieben Eigenkompositionen Ida Sands – darunter das Titelstück in zwei Versionen – mit einer Bandbreite von anrührenden Balladen bis zu feurigen Groove-Nummern finden sich auch zwei Interpretationen großer Songs auf dem Album: das dunkel schimmernde „Teardrop“ von Massive Attack und die englische Fassung des Jacques-Brel-Klassikers „Ne me quitte pas“.Was alle Stücke des Albums verbindet, sind die musikalische Persönlichkeit Ida Sands – und die Virtuosität ihrer Mitmusiker. Diese zeigt sich jedoch nicht in instrumentalen Exzessen, sondern im genauen Gegenteil: in überragender rhythmischer Leichtigkeit und enormer Geschmackssicherheit in Sachen Dynamik, Sound und Phrasierung. Die Musik des Albums entstand im Studio praktisch live aufgenommen, oft in nur ein oder zwei Takes und ohne nennenswerte Overdubs – schlicht, weil es kaum etwas zu korrigieren oder hinzuzufügen gab. Das hat einen guten Grund: Die Kernband, bestehend aus Gitarrist – und Ida Sands Ehemann – Ola Gustafsson, Schlagzeuger Per Lindvall und Organist Jesper Nordenström, zählt zur Crème der international renommierten schwedischen Studiomusiker; Bassist Dan Berglund bildet schon das musikalische Fundament von e.s.t. Esbjörn Svensson Trio und fungiert auch bei Ida Sand, diesmal am E-Bass, als verbindendes, erdendes Element.Ida Sand, so viel ist klar, ist ein „People Person“, ein Familienmensch – sowohl im Privaten als auch im Musikalischen. Es geht ihr nicht um Ego oder Profilierung, sondern darum, gemeinsam etwas zu schaffen, das das Leben anderer Menschen bereichert. Oder, wie sie selbst sagt: „Menschen, die andere Menschen brauchen, sind die glücklichsten der Welt“, sang Barbra Streisand so wunderschön – und ich könnte ihr nicht mehr zustimmen.“CreditsAll songs written by Ida SandExceptions: Track 7 (Del Naja/Vowels/Marshall/Fraser) and Track 9 (Brel/McKuen)Mixes by Andreas Dahlbäck (#1, #3, #4, #6, #10), Carl Gustafsson (#2, #5, #7, #8, #9)Recorded in Rixmixningsverket by Vilma Colling (#1, #3, #4, #6, #10),Atlantis Metronome by Carl Gustafsson (#2, #5, #7, #8, #9)Mastered by Klaus ScheuermannProduced by Ida SandPhotos by Nikola Stankovic

Jazz at Berlin Philharmonic XIX : Nils Landgren 70 CD / limited red transparent double vinyl (2xLP, 180g) / digitalNils Landgren vocals & trombone Michael Wollny piano Lars Danielsson double bassWolfgang Haffner drums China Moses vocals (3-7) Magnus Lindgren direction, arrangements, tenor saxophone & flute Mitglieder der Berliner PhilharmonikerSarah Willis, horn Stephan Stadtfeld, trumpet (guest) Guillermo Serrano Marchena, trumpet Jonathon Ramsey, trombone Jesper Busk Sørensen, trombone Angus Butt, bass-trombone (guest) Alexander von Puttkamer, tuba Backing vocals on “Ain’t Nobody”Viktoria Tolstoy, Ida Sand, Jessica Pilnäs, Cæcilie Norby, Johan NorbergAm 15. Februar 2026 feierte Posaunist und Sänger Nils Landgren seinen 70. Geburtstag – wie es sich für einen der erfolgreichsten europäischen Musiker seines Fachs gehört mit einem oppulenten Orchesteralbum „Love of My Life“ und einer Tour durch die großen Konzerthäuser. ACT-Gründer, Förderer und Freund Siggi Loch machte Nils Landgren ein besonderes Geschenk: Einen Abend in der von ihm kuratierten Reihe „Jazz at Berlin Philharmonic“ im großen Saal der Berliner Philharmonie. Im ersten Teil des Konzertes spielten Mitglieder der ACT Family für „Mr. Red Horn“. Nach der Pause betrat Nils Landgren unter großem Jubel selbst die Bühne – mit einem exklusiven Programm, dass seinem großen Idol und Weggefährten Joe Sample gewidmet war. Mit dabei: Michael Wollny, Lars Danielsson, Wolfgang Haffner, China Moses und Mitglieder der Berliner Philharmoniker mit Arrangements von Magnus Lindgren. Es wurde eine Soul-Jazz-Party im Klassiktempel, bei der am Ende der ganze Saal tanzte – jetzt nachzuhören auf „Jazz at Berlin Philharmonic – Nils Landgren 70“ Liner notes by Nils Landgren Somewhere back in 2025, Siggi Loch called me and invited me to perform in his “Jazz at Berlin Philharmonic” program in connection with my 70th birthday. That’s an invite one does not say no to, although I had to give it some thought before accepting the challenge, at least 10 seconds. I really loved the idea of pairing fine jazz musicians with the outstanding brass players from the Berlin Philharmonic, arranged by multitalented Grammy winner Magnus Lindgren.My wish was to invite singer China Moses to complete the setup, and to our luck, she gladly accepted the challenge. Siggi and I started to make our wish list, and very soon we decided on songs with a personal connection to me, once being part of Joe Sample’s world. Simply songs we love. Magnus delivered first-class arrangements, and the concert was a mind-blowing experience, with an amazing group of musicians, a fantastic audience, and a record company on their toes, recording the event just in case it turns out good. I believe it did.Thank you, Siggi, and everyone involved, for this once-in-a-lifetime experience! Love, NilsLiner notes by Siggi LochNils Landgren is a phenomenon, and European jazz is all the richer for his presence. By performing more than 200 concerts a year, he more than earns the title of “the hardest-working man in the business.” On 15 February 2026, he turned 70.“Mr Red Horn” has carved out an enduring place in jazz history through his tireless excellence in so many different roles: as bandleader, composer, producer, talent scout, festival director, and also as a highly effective and authentic advocate for the music – who nonetheless always manages to remain approachable.Ever since his first appearance at JazzBaltica in 1994, German audiences have been taking him and the bands he leads to their hearts; he is now easily one of the most popular jazz musicians in our country. The very first time I heard him perform, I was totally captivated, and signed him as one of the first exclusive artists on the fledgling ACT label. It was through him that Esbjörn Svensson and many other great Swedish artists joined the label, making his influence on its evolution both central and unique.With over 60 albums to his name, he is also our most successful artist. I am therefore infinitely grateful to Nils Landgren, not only for his contribution to the success of ACT, and thereby to the fulfilment of my childhood dream, but also for the steadfast friendship which binds us. Organizing a special Jazz at Berlin Philharmonic concert with him to mark his 70th birthday was something particularly close to my heart. When I first phoned Nils with the idea to dedicate the evening to his idol – later his collaborator – Joe Sample, I remember there was a moment of silence from the other end of the line.Then, as Nils so often does, he ended the silence with: ‘If you think it’s a good idea, I’ll do my best.’ And, as always, that’s precisely what he did. There was a buzz throughout the hall before Nils had even played a single note, and by the end of the evening, the entire Philharmonie was on its feet. Mission accomplished, we made it happen!Siggi LochCreditsMusic by Joe Sample, lyrics by Will Jennings, except 07 and 08 by Nils LandgrenRecorded live on 05 May 2026 at the Berliner PhilharmonieLive sound by Jan UgandRecorded, mixed and mastered by Klaus ScheuermannCurated and produced by Siggi LochCover photo by Steven Haberland, design by Siggi LochPhotos by Steven Haberland (back cover), Stefan Rabold (booklet)

Adam Bałdych: Endless CD / Blue transparent Vinyl (LP, 180g) / digital Adam Bałdych violin, renaissance violin Daniele di Bonaventura bandoneonJacob Karlzon piano Michel Benita double bass Zu Beginn seiner Karriere machte sich Adam Bałdych schnell einen Namen als der virtuoseste Jazzgeiger seiner Generation. Heute ermöglichen ihm seine herausragenden spielerischen Fähigkeiten, Musik von großer Tiefe, Spiritualität und einzigartiger klanglicher Raffinesse zu erschaffen. Auf Endless erforscht er einige der großen Fragen, die uns im Inneren bewegen: Was ist wahr? Was ist wichtig? Was bleibt, wenn der Lärm der Welt verstummt? In einer Zeit, in der die Menschen sich in ihrem innersten Wesen infrage gestellt sehen, darum ringen, der Geschwindigkeit der Entwicklungen standzuhalten, sichtbar und relevant zu bleiben, schlägt Bałdychs Musik eine andere Perspektive vor: Konzentration, Nachhaltigkeit und Vertrauen.Seit Jahren entwickelt Adam Bałdych eine Ästhetik, die man als „kontemplativen Violinismus“ bezeichnen könnte. Mit seinem Instrument bietet er den Zuhörer*innen kein Spektakel, sondern schafft einen Ort zum Innehalten. Seine Musik ist ein wortloses Gebet, demütig und offen. Der Bogen, der die Saite berührt, wird zu einer Geste der Hingabe, und jede Pause zu einem Raum, in dem man mehr hören kann als Klang. Es ist ein Violinspiel, das nicht versucht, die Stille zu übertönen, sondern sie sprechen lässt. Für sein neues Quartett auf Endless hat Adam Bałdych einige der stärksten Musikerpersönlichkeiten vereint: den italienischen Bandoneonisten Daniele di Bonaventura, den französischen Kontrabassisten Michel Benita und den schwedischen Pianisten Jacob Karlzon. Es ist eine Konstellation, die einen Raum der Begegnung schafft – zwischen Kulturen, Sensibilitäten und Blickwinkeln. Endless entstand live im Konzertsaal des Europäischen Musikzentrums Krzysztof Penderecki in Lusławice – einem Ort, an dem die Architektur des Klangs auf die Architektur der Stille trifft. Der Raum und die Live-Situation prägen die Musik des Albums spürbar: Man hört die Luft, die Bewegung des Bogens, den Moment der Ruhe, bevor der Klavierton einsetzt. Die Musik entsteht an der Schwelle des Hörbaren, als würden die Künstler fragen: Wie viel Klang braucht es, um die Musik zum Leben zu erwecken und gleichzeitig die Stille zu bewahren?Vielleicht scheint es deshalb, als endeten die Klänge von Endless nicht mit dem letzten Ton des Albums. Sie hallen nach – und laden ein, diesen besonderen musikalischen Raum immer wieder neu zu durchschreiten. CreditsRecorded on January 7–8, 2026, at the Krzysztof Penderecki European Centre for Music in Lusławice Recorded, Mixed and Mastered by Mateusz Banasiuk Composed by Adam Bałdych except 11 (Erik Satie) Produced by Adam Bałdych Photos by Wiktor FrankoCover art by Manfred Bockelmann, used by kind permission of the artist

Emma Rawicz: Paintbox - ACT Exclusive ReleaseCD / limited blue transparent vinyl (180g) CD und Vinyl enthalten drei Bonustracks, die digital nicht erhältlich sind.Emma Rawicz tenor and soprano saxophoneElliot Galvin pianoKevin Glasgow electric bassAsaf Sirkis drums, percussion01 Cowboys & Aliens02 A Wide, Wide Sea03 Waldeinsamkeit04 Walking On Grass05 Quirky06 The Oak Tree07 Honeydew Ginger 08 DuendeDieses Album gibt es ausschließlich physisch – exklusiv im ACT Shop. Digital ist lediglich eine EP-Auswahl mit 5 Tracks erhältlich; das vollständige Album mit allen Titeln erscheint ausschließlich auf CD/LP.Liner notes by Emma Rawicz Paintbox is a record that evolved directly out of my first release with ACT Music, and for that reason it feels particularly special to be releasing it now, three years later. The release of Chroma in 2023 was a turning point that sparked a new and exciting phase of international touring, from which I have learned so much. The music on Paintbox is the direct result of the past three years on the road with my quartet, deepening our connections with each other and exploring new ways to truly play and create together. I feel that there is an unmistakable aspect of joy within this music, which truly reflects the atmosphere both on the road and in the studio with these brilliant musicians. We began this journey as colleagues three years ago, and now I’m pleased and proud to call Asaf, Kevin and Elliot my close friends.I wrote this music with an awareness that it was the beginning of some new and unknown chapter, and because I wanted to explore new colours and stories with these musicians as we went out on tour internationally. Chroma was an exploration of colour within music and its expression for me, and I wanted to take this visual element further with pieces that told stories or evoked strong images for the listener. Every piece on Paintbox is a story in its own way: some describing fantastical scenarios with cowboys, aliens and elves, others describing oceans, trees, forests, or even nostalgic scenes from my childhood in Devon. Each is intended as a springboard for the imagination of each individual listener and I hope that you can find your own stories within the music.Chroma was inspired by the Greek word for “colour”; this subsequent album takes its name from an alternative translation of that word: “paint”. For me, this is inherently linked to the idea of play and creation, and the joy that permeates what we do. I am immensely grateful to Elliot, Kevin, Asaf, Sonny, Klaus and all my close friends who helped this album come to life.EmmaCreditsRecorded on 23 and 24 March 2026 at Livingston Studios, LondonRecorded by Sonny JohnsMixed and mastered by Klaus ScheuermannComposed by Emma Rawicz Produced by Emma RawiczPhotos by Pedro Velasco (recording session), Gregor Hohenberg (Emma Rawicz)

Jazz at Berlin Philharmonic XVIII: Jazz Goes Baroque CD / Vinyl (LP, 180g) / digital  Bernd Lhotzky harpsichord and musical director Emile Parisien soprano saxophone Frédéric Couderc flutes Henning Sieverts double bass and violoncello Eric Schaefer drums Der Pianist Bernd Lhotzky baut mit seiner Musik Brücken zwischen Historie und Gegenwart - und das immer wieder auf neue Weise. Seine beiden letzten Alben für ACT hätten unterschiedlicher kaum sein können. Das Solo-Piano-Album Rag Bag (2024) spannt einen weiten Bogen über mehr als 100 Jahre Jazzgeschichte und erhielt den Preis der deutschen Schallplattenkritik, die Lhotzky für seine „brillante Pianistik“ sowie seine „spielerische Leichtigkeit und Stilgefühl“ lobte. Auf dem Vorgänger As An Unperfect Actor (2021) vertonte Lhotzky Shakespeare-Sonette. Die von ihm komponierte und arrangierte Musik wurde von der Band "Quadro Nuevo" und der österreichischen Schauspielerin Birgit Minichmayr interpretiert. Das Projekt war bei Kritik und Publikum gleichermaßen bemerkenswert erfolgreich.Jazz Goes Baroque ist wieder etwas ganz anderes. Es ist die Live-Aufnahme eines besonderen Konzerts, das in doppelter Hinsicht Anlass zum Feiern bot. Zum einen war es die fünfzigste Ausgabe der von ACT-Gründer Siggi Loch kuratierten und äußerst erfolgreichen Reihe Jazz at Berlin Philharmonic. Zum anderen erinnerte es an einen von Lochs frühesten Erfolgen als noch junger Plattenproduzent: George Gruntz’ Jazz Goes Baroque aus dem Jahr 1964. Es war das erste Album des Schweizer Pianisten unter eigenem Namen und ebnete den Weg für eine einzigartige und bemerkenswerte Karriere im Jazz.Sechs Jahrzehnte später stellte Bernd Lhotzky ein Programm zusammen, das der Originalaufnahme von 1964 Tribut zollt, sich zugleich aber deutlich von ihr löst. Als musikalischer Leiter entwickelte er dafür eigene Arrangements und Kompositionen, die historische Vorlagen nicht lediglich in ein Jazzidiom übertragen, sondern neu deuten und weiterdenken. Und wie Gruntz auf der Originalaufnahme leitet Lhotzky den Abend nicht vom Piano, sondern vom Cembalo aus.Auch die hochkarätige Besetzung der Neuinterpretation knüpft an jene Gruppe an, die in den 1960er-Jahren Jazz Goes Baroque aufgenommen hatte. Zentraler Solist war damals der Saxofonist Klaus Doldinger, der später zu einer Schlüsselfigur des Jazz aus Deutschland werden sollte. In der Fassung des Jahres 2025 steht eine aktuelle Schlüsselfigur des europäischen Jazz im Mittelpunkt: der französische Sopransaxofonist Emile Parisien. Außerdem dabei: Der französische Flötist und Saxofonist Frédéric Couderc, dessen Virtuosität und stilistische Beweglichkeit zu den Überraschungen des Abends zählen, der Bassist und Cellist Henning Sieverts, in dessen Spiel sich Jazz und klassische Tradition auf ganz natürliche Weise begegnen, sowie der unendlich einfallsreiche Eric Schaefer am Schlagzeug.Bernd Lhotzky, der vor allem für seine umfassende Kenntnis des frühen Jazz bekannt ist, hat eine ganz eigene Vision davon, wofür Barockmusik steht und was geschieht, wenn Barock und Jazz aufeinandertreffen. Ausgangspunkt seiner Arrangements sind oft sehr persönliche musikalische Entdeckungen. In einer Melodie Bernardo Pasquinis hört er die Stimme Sidney Bechets, ein Satz von Händel erinnert ihn an die weitgespannten Bögen eines Brahms. Hinter einem scheinbar mühelos dahinfließenden Satz Vivaldis entdeckt er ein raffiniertes Zahlenspiel – und einen durchtriebenen Wachtelkönig, der seine Spuren sorgfältig verwischt. Bei Couperin wird aus einem Stolpern eine tödliche Chute fatale, bei Pachelbel ein seit Jahrhunderten im Kreis laufendes Ostinato zu einem Wesen, das jammervoll nach Freiheit schreit. Es sind weniger stilhistorische Beobachtungen als lebendige Bilder, aus denen die Arrangements entstehen – und die den Werken eine unerwartete Gegenwärtigkeit verleihen.Für Bernd Lhotzky liegt die Nähe von Barock und Jazz in ihrer gemeinsamen Lust an der Variation. Sequenzen, Ostinati und wiederkehrende Muster schaffen einen tragfähigen Rahmen, in dem sich Musiker verständigen und frei bewegen können. „Man hört, was sich im Gespräch am Gartenzaun zeigt, im lebhaften Austausch auf dem Markt, im herzlichen Dialog des Alltags.“ Monteverdi lud Musiker dazu ein, über einem Basso continuo zu improvisieren – mehrere Jahrhunderte, bevor die Jam-Session erfunden wurde. Für Lhotzky begegnen sich Jazz und Barock deshalb nicht als Gegensätze, sondern als Verwandte. Der Jazz verleiht dem Barock neue rhythmische Energie und improvisatorische Weite. Der Barock schenkt dem Jazz historische Tiefe, kontrapunktische Dichte und üppig-florale Formen. Das Ideal europäischer Harmonie ist ein weiterer Leitgedanke der Gruppe, die in der Berliner Philharmonie spielte. Lhotzky beschreibt sie in seinen Liner Notes als „zwei Bläser französischer Herkunft und eine deutsche Rhythmusgruppe, glücklich vereint in der Musik“. So ist Jazz Goes Baroque auch eine Reflexion darüber, welchen Weg der europäische Jazz zurückgelegt hat. Indem es die Hörerinnen und Hörer dazu anregt, zurückzugehen und sich das Ursprungs-Album aus dem Jahr 1964 anzuhören, erinnert die Fassung von 2026 daran, wie der europäische Jazz im Laufe von sechs Jahrzehnten seine eigene Sprache, sein Erbe und seine Charaktere entwickelt hat. ACT war und ist ein wichtiger Teil dieser Geschichte - und Bernd Lhotzky hat ein weiteres überraschendes, brillant umgesetztes und freudvolles Kapitel darin geschrieben.CreditsAll arrangements by Bernd Lhotzky Live recorded on 25 September 2025 at the Berlin Philharmonie Recorded by Klaus Scheuermann Mixed and mastered by Klaus ScheuermannProduced by Siggi Loch Cover art by Edi Rama, Untitled, 2016 Courtesy of Marian Goodman Gallery Design by Siggi Loch

past is present | Julia Hülsmann Trio & Roger CiceroEine kuratierte Vinyl-Serie von ACT Music, in der die Vergangenheit zur Gegenwart wird. Zeitlose Aufnahmen, die nicht nur weiterleben, sondern im Hier und Jetzt neu erlebbar werden.Album-Meilensteine erstmals auf VinylExklusiv kuratiert von ACTLimitiert auf 1.000 Exemplare, alle handnummeriertRe-mastered für VinylHochwertige 180g Pressung, Schwarze Vinyl, LackfolienschnittEigens für diese Ausgabe verfasste Liner Notes inklusive Obi-Strip aus Premium-Kunstdruckpapier für Sammlerindividuell gestaltete Labels inspiriert vom Original-Artwork Gestaltete Innenhülle als erzählerisches Kernelement des Albums gedruckt auf 180g Sulfatkarton past is present ist ACTs kuratiertes Eintauchen in den reichen Katalog des Labels: herausragende Aufnahmen, die auf hochwertigem Vinyl neu in den Fokus rücken. Es sind Alben, deren Bedeutung nichts eingebüßt hat – sie sprechen bis heute mit Klarheit und emotionaler Kraft. Sorgfältig als Teil des musikalischen Erbes von ACT ausgewählt, erscheint jeder Titel entweder erstmals auf Vinyl oder in einer neu gemasterten Edition – für höchstmögliche Klangtreue, im Geist der ursprünglichen künstlerischen Vision. Jede Veröffentlichung der Reihe ist als limitierte, handnummerierte Sammleredition angelegt – für Hörer, die Klang und Objekt gleichermaßen schätzen. Das originale Cover-Artwork bleibt erhalten und wird durch eine veredelte Ausstattung gehoben: ein eigens gestalteter Obi-Strip, neu in Auftrag gegebene Liner Notes, individuell gestaltete Labels und eine eigens gestaltete Innenhülle – alles Teil einer stimmigen Reihen-Identität und eines Premium-Vinyl-Erlebnisses. Good Morning Midnight (2006) beschließt Julia Hülsmanns ACT-Trilogie, in der sie Lyrik und Jazz zusammenführte – nach E. E. Cummings und Randy Newman diesmal gewidmet Emily Dickinson, die zu Lebzeiten nahezu unbekannt blieb und heute als eine der bedeutendsten Dichterinnen Amerikas gilt. Für die damals noch wenig bekannte Pianistin markierte die Reihe den Schritt in eine größere Öffentlichkeit und den Auftakt einer international hochgeschätzten Laufbahn. Für den Sänger Roger Cicero war das Album ein wichtiger Schritt ins Rampenlicht – kurz darauf wurde er in Deutschland zum Popstar, bevor sein einzigartiger Weg 2016 mit nur 45 Jahren abrupt endete. Größer könnten die Kontraste kaum sein: urban geprägter Jazz auf der einen Seite, auf der anderen die Worte einer Dichterin, die ihr Leben zurückgezogen im ländlichen Massachusetts verbrachte. Doch Jazz wirkt hier weniger als Stil denn als Vokabular, das scheinbar ferne Welten verbindet. Getragen von Hülsmanns Trio mit Marc Muellbauer und Heinrich Köbberling, ergänzt um dezente Elektronik, Bandoneon und Bläser, findet Cicero einen Ton zwischen Neugier und Zweifel, Übermut und Innenschau – „So etwas habe ich noch nie gesungen.“ Ein weiter Bogen zwischen Lyrik und Jazz, zwischen dem 19. und dem 21. Jahrhundert – und eine Erinnerung daran, dass neue Musik nicht nur in der Gegenwart zu finden ist, sondern auch in der Vergangenheit.

Little North: Crossing Currents CD / Vinyl (LP, 180g) / digital  Lasse Jacobsen drumsMartin Brunbjerg Rasmussen double bassBenjamin Nørholm Jacobsen pianoFeaturing: Joel Ross vibraphone Hannes Bennich alto saxophone Vor zehn Jahren erschien das Debüt-Album Yonder der Band Little North – und zum zehnjährigen Recording-Jubiläum hat sich das dänische Pianotrio mit Crossing Currents einen lange gehegten Wunsch erfüllt: eine Aufnahme mit dem amerikanischen Vibraphon-Neudenker und Co-Produzenten Joel Ross im legendären New Yorker The Bunker Studio. Pianist Benjamin Nørholm Jacobsen, Bassist Martin Brunbjerg Rasmussen und Schlagzeuger Lasse Jacobsen nutzen die Zeit vor den Aufnahmen, um in die New Yorker Jazz-Szene einzutauchen und sich von dieser inspirieren zu lassen. „Joel Ross ist für uns schlicht der Repräsentant dieser Welt“, sagt Jacobsen. „Seine Haltung ist intellektuell, spirituell, aber auch emotional klar. Sie ist respektvoll, und er schätzt wundervolle Melodien. Eine Art Energie, die nicht zurückblickt. Das wollten wir unbedingt auf unserem Album haben.“Diese Energie passte auch zum zweiten Gast des Trios, dem schwedischen Saxofonisten Hannes Bennich, den Little North schon seit ihren frühen Tagen kennen. „Wir hatten bereits in anderen Projekten mit Hannes gearbeitet“, sagt Lasse Jacobsen. „In diesem Fall war er als "Sparringspartner" zu Joel Ross gedacht. Er brachte seine ganz eigene Energie mit, ist ein echter Virtuose und verfügt über ein tiefes Verständnis und eine große Affinität zu der Musik, für die Ross steht. Gleichzeitig brauchten wir jemanden, der selbstbewusst in eine Aufnahmesituation einsteigen und eine eigene musikalische Stimme einbringen konnte. Hannes war genau die richtige Person!“Es ist die Kombination der unterschiedlichen Charaktere und das Zusammenspiel aus europäischen und amerikanischen Einflüssen, die die besondere Stimmung von Crossing Currents ausmacht. Schon auf ihrem ACT-Debüt While You Wait erzeugten Little North einen besonderen Zauber dadurch, dass sie ihre jahrelang gewachsene musikalische Beziehung für einen Solisten öffneten – damals war das der norwegische Trompeter Oscar Andreas Haug. War dieser eher eine Erweiterung der musikalischen Welt des Trios, geht es bei Crossing Currents um das Sich-Öffnen, darum, sich vom New Yorker Spirit inspiriert aus der Komfortzone herauszuwagen.Das Album macht deutlich, dass diese Offenheit für das Gegenüber für alle Beteiligten gilt. Crossing Currents ist eine Begegnung auf Augenhöhe, die vom wachen gegenseitigen Zuhören lebt, von einer Intensität, die oft mit nur wenigen Tönen, Harmonien und Texturen auskommt. Besonders merkt man das daran, wie viel Raum sich die beiden verwandten Instrumente Piano und Vibraphon gegenseitig lassen – oft legt Pianist Benjamin Nørholm Jacobsen das harmonische Fundament und Joel Ross spielt fein schattierte Melodien darüber, oft verzahnt mit den Linien von Saxofonist Hannes Bennich. Und auch wenn das Energielevel steigt, passiert das im Kollektiv und mit gemeinschaftlicher Intensität. Nie geht es darum, als Individuum besonders viel Raum einzunehmen, sondern immer um eine gemeinsame Balance, mit großem Gestaltungswillen, aber ohne Druck. Kurz: um verschiedene Strömungen im gemeinsamen Fluss.CreditsRecorded 19-20 November 2023 at The Bunker Studio, Brooklyn, NYCRecorded by Nolan ThiesMixed by August WanngrenMastered by Sofia von Hage and Thomas Eberger at Stockholm MasteringComposed by Little NorthProduced by Little NorthCo-produced by Joel Ross

Daniel García: The Hero's Journey CD / Vinyl (LP, 180g) / digital  Daniel García piano, synths, vocals, clapsSpaniens führende Tageszeitung El País nennt Daniel García Diego „eine der aufregendsten Persönlichkeiten, die in den vergangenen zehn Jahren aus der Welt des zeitgenössischen Jazz hervorgegangen sind“. Dabei ist der Pianist keineswegs jemand, der viel Aufhebens um seine Person macht – es entspricht schlicht nicht seinem bescheidenen, zurückhaltenden Wesen. Doch es gibt Dinge, die García als Musiker herausstechen lassen: sein Wissen um Jazz und Flamenco, der Respekt vor beiden Traditionen und seine Fähigkeit, die Emotionen dieser beiden Welten zu einer ganz eigenen Musik zu verbinden.Diese Einzigartigkeit macht ihn zu einer Schlüsselfigur des spanischen Jazz. Seine drei bisherigen Alben für ACT – aufgenommen in seinem langjährigen und grandios interagierenden Trio mit den in Madrid lebenden kubanischen Musikern Reinier „el Negrón“ Elizarde und Michael Olivera – wurden hoch gelobt: Travesuras (2019) sei „etwas ziemlich Spektakuläres“ gewesen (Jazz Journal, UK), Vía de la Plata „unverzichtbar“ (Paris Move) und Wonderland (2025) „brillant und mitreißend“ (Latin Jazz Network). Ende 2024 begannen die Gespräche mit ACT darüber, wie Daniel Garcías viertes Albumprojekt aussehen könnte. „Als Andreas Brandis und Michael Gottfried mit der Idee eines Soloalbums auf mich zukamen, gefiel mir das sofort“, erinnert sich García. Der Pianist machte sich umgehend an die kompositorische Arbeit – doch schon bald griff das Schicksal ein: Anfang 2025 wurde bei Daniel Garcías Vater vollkommen unerwartet unheilbarer Krebs diagnostiziert. Sein Zustand verschlechterte sich weiter, besonders in den letzten Monaten, bis er im Dezember 2025 starb. So fielen die Vorbereitungen und Aufnahmen zum Album in eine Zeit, in der García und seine Familie voller Sorge in Erwartung des Unausweichlichen lebten. Vor diesem Hintergrund überrascht es nicht, dass The Hero’s Journey von besonders großer emotionaler Tiefe geprägt ist. Und doch ist es kein düsteres Album. García erklärt: „Seit Langem fasziniert mich die Figur des Helden. Dabei denke ich nicht an einen unbesiegbaren Superhelden aus dem Kino. Mich interessiert vielmehr die Vorstellung eines Menschen, der sich immer neuen Prüfungen stellen und sie überwinden muss.“ Diese Idee bestimmt die Struktur von The Hero’s Journey: Ein Mensch begegnet Herausforderung um Herausforderung und wächst an ihnen. „Ich habe für alle diese Stationen Musik mit jeweils eigenem Charakter geschrieben“, sagt García. „Diese Stationen sind auch ein Spiegel meiner eigenen Reise.“ Dieser Ansatz passt zu einem Musiker, der Inspiration aus vielen Welten schöpft. „Es fällt mir schwer, meine Musik zu kategorisieren. Das ist, als wollte man das Meer in eine Schachtel stecken – es läuft einfach über! Ich liebe klassische Musik, ich liebe Musik aus dem Nahen Osten, ich liebe Rock, ich liebe Singer-Songwriter. Inspiration kann von überallher kommen.“In 13 Abschnitten erzählt The Hero’s Journey eine zusammenhängende Geschichte. Der Opener Life in a Crystal Bottle beschreibt eine einfache, unschuldige Welt, in der noch nichts Außergewöhnliches geschehen ist. Meeting the Mentor ist ein liebevolles Porträt einer sanften Vaterfigur. Feine innere Stimmen schaffen das Bild eines sicheren Ortes und erzählen von der Freude am Klavier. Das toccatenartige The Ordeal ist das einzige vollständig durchkomponierte Stück des Zyklus. Es handelt von innerer Stärke, Motivation und jener Energie, die aus einem kraftvollen inneren Antrieb entsteht. Das abschließende The Resurrection erzählt schließlich davon, dass sich ein Kreis geschlossen hat – und dass man bereit ist für neue, unerwartete Herausforderungen. Neben dem Klavier hört man sparsam eingesetzte Samples: vorab aufgenommenes Klatschen und Gesang, bearbeitete Loops einer Geige und elektronische Sounds eines Moog-Synthesizers. Das Klavier bleibt dabei immer der Hauptakteur. Besonders eindrucksvoll nutzt García diese Klangfarben in Crossing the Threshold. Hier entsteht das Gefühl, plötzlich in einer vollkommen fremden Welt zu stehen.  The Hero’s Journey ist vor einem ernsten Hintergrund entstanden. Doch am Ende steht eine zutiefst optimistische Aussage über menschliche Widerstandskraft.CreditsComposed and produced by Daniel GarcíaRecorded at Camaleon Music Studio inMadrid, Spain, on 17 - 18 June 2025Mixed and mastered by Shayan FathiPhoto by Rob Lewis

past is present | Emile Parisien & Vincent Peirani: Belle ÉpoqueEine kuratierte Vinyl-Serie von ACT Music, in der die Vergangenheit zur Gegenwart wird. Zeitlose Aufnahmen, die nicht nur weiterleben, sondern im Hier und Jetzt neu erlebbar werden.Erstmals auf VinylLimitiert auf 1.000 Exemplare, alle handnummeriertRe-mastered für VinylHochwertige 180g Pressung, Schwarze Vinyl, LackfolienschnittEigens für diese Ausgabe verfasste Liner Notes inklusive Obi-Strip aus Premium-Kunstdruckpapier für Sammlerindividuell gestaltete Labels und Innenhülle, inspiriert vom Original-Artwork Gestaltete Innenhülle als erzählerisches Kernelement des Albums – gedruckt auf beschichtetem BilderdruckpapierWer neue Musik entdecken möchte, sollte nicht nur in der Gegenwart suchen. Der heutige Blick auf Musik und ihre Protagonist:innen verleiht historischen Aufnahmen oft eine ganz neue Wirkung. past is present ist ACTs neue Reihe sorgfältig kuratierter Vinyl-Veröffentlichungen, gewidmet den musikalischen Geschichten aus mehr als 30 Jahren Labelgeschichte. Jeder Titel erscheint erstmals auf Vinyl oder in einer neu remasterten Fassung – in höchstmöglicher Klangtreue und stets der ursprünglichen künstlerischen Vision verpflichtet. Jede Veröffentlichung ist als limitierte, handnummerierte Sammleredition konzipiert – für alle, denen Klang und Objekt gleichermaßen am Herzen liegen. Das originale Cover-Artwork bleibt erhalten und wird durch eine veredelte Ausstattung zusätzlich aufgewertet: ein eigens gestalteter Collector's-Obi, neu verfasste Liner Notes, individuell entworfene Labels und eine eigens gestaltete Innenhülle – alles Teil einer stimmigen Serienidentität und eines erstklassigen Vinyl-Erlebnisses. Belle Époque von Vincent Peirani und Emile Parisien markiert den Beginn einer der spannendsten Partnerschaften des zeitgenössischen europäischen Jazz. Als die beiden 2013 ins Studio gingen, steckte ihr Duo noch in den Anfängen – und doch war die Chemie zwischen ihnen bereits unverkennbar. Was folgte, war nicht nur eine außergewöhnliche Aufnahme, sondern der Ausgangspunkt einer Reise, die sie auf Bühnen rund um die Welt führen sollte. Inspiriert vom Erbe des Sopransaxophon-Pioniers Sidney Bechet, verbindet Belle Époque Epochen und Einflüsse mit bestechender Eleganz. Mühelos bewegt sich das Album zwischen frühem Jazz, französischem Chanson, eigenen Kompositionen und moderner Improvisation – getragen von Peiranis ausdrucksstarkem Akkordeon und Parisiens lyrischem, schwebendem Sopran. Gemeinsam interpretieren sie dieses Repertoire neu, mit ebenso viel Respekt wie kühner Eigenständigkeit, und machen jedes Stück unverkennbar zu ihrem eigenen. Im Kern ist Belle Époque eine Feier des musikalischen Dialogs – zwei Stimmen, die einander zuhören, antworten und in Echtzeit eine gemeinsame Erzählung formen. Das Ergebnis ist Musik von Wärme, Raffinesse und Tiefe, die den Moment einfängt, in dem ein einzigartiges Duo seine Stimme fand. Eine prägende Aufnahme – nun wiederentdeckt im Rahmen von past is present.

Robinson Khoury: Transara CD / Vinyl (LP, 180g) / Limited white vinyl (LP, 180g) / digital  Robinson Khoury trombone, modular synths, lead vocal in 6, 9Anissa Nehari percussions, voice in 6, 9Léo Jassef piano, synths, voice in 6, 9Der Posaunist und Komponist Robinson Khoury ist einer der meistbeachteten Rising-Stars der französischen Jazz- und Cross-Genre-Szene. Seinen Durchbruch markierte 2024 das Album MŸA im Trio mit der Perkussionistin Anissa Nehari und dem Keyboarder Léo Yassef. Die Besetzung, in der Khoury nicht nur Posaune, sondern auch modularen Synthesizer spielt und singt, wurde zu einer eng verzahnten, lebendigen musikalischen Einheit, der Titel des gemeinsamen Debütalbums wurde zum Bandnamen Robinson Khoury MŸA und das Trio steht nun auch im Zentrum des ACT-Debüts Transara.„Ich mag das Ungewöhnliche – seltsame Kombinationen, unerwartete Besetzungen. Posaune, modulare Synthesizer, Keyboards und Percussion – das hatte ich so noch nie gehört, und genau das hat mich fasziniert“, sagt Robinson Khoury über das Trio. Und weiter: „Ich glaube, wir funktionieren auch deshalb so gut miteinander, weil wir gemeinsame mediterrane Wurzeln in unseren Familien haben - das Mittelmeer verbindet uns.“ Ebenso prägend sei das urbane Leben in Paris, in dem unterschiedlichste Einflüsse aufeinandertreffen.Transara markiert für Khoury eine Evolution. Das erste MŸA-Album beschreibt er als eine Art „Embryo“, aus dem sich langsam ein musikalisches Lebewesen formte, das heute eine gemeinsame musikalische Sprache spricht. Die organische und intuitive gemeinsame Musik bewegt sich, so Khoury, „in eine andere Welt, in eine andere Realität“. Dies meint auch der Titel Transara: einen Übergang zwischen den Welten, eine Verbindung von Räumen und Zuständen.Auch Robinson Khourys persönlicher musikalischer Weg ist von Vielschichtigkeit und Transformation geprägt. Aufgewachsen in Lyon als Sohn eines Jazzpianisten und einer Jazzsängerin, war Musik von Anfang an allgegenwärtig. Er sang im Kinderchor der Oper Lyon und verbrachte die Sommer beim Festival Jazz à Vienne. Der Bruch kam mit elf Jahren, als der Stimmbruch ein Weitersingen im Chor unmöglich machte. Auf der Suche nach einem neuen Ausdruck fand er die Posaune: „Ich habe ein Instrument gesucht, durch das ich weiter singen kann – und die Posaune war dafür perfekt.“ Schon wenige Jahre später studierte er am Konservatorium in Lyon und spielte parallel in Jazzclubs. Früh bewegte er sich zwischen Klassik und Jazz und entwickelte eine Offenheit für unterschiedliche Stile.Mit etwa 18 Jahren entdeckte er zudem die arabische Musik – etwa Umm Kulthum oder Nusrat Fateh Ali Khan –, die ihn nachhaltig prägte. Obwohl er libanesische Wurzeln hat, sei diese Musik zunächst kein selbstverständlicher Teil seines Alltags gewesen; umso unmittelbarer habe sie sich als Ausdruck auf der Posaune angefühlt. „Ich liebe an der arabischen Musik besonders den Gesang. Diesen auf die Posaune zu übertragen, fühlte sich sehr natürlich an, da sie für mich wie eine zweite Stimme ist.“ Bald wurden Musiker wie Ibrahim Maalouf oder Natacha Atlas auf ihn aufmerksam und holten ihn in ihre Bands. Zudem gründete Khoury das Sextett Sarāb, das ebenfalls arabische Musik und Jazz miteinander verbindet. Es sind all diese Einflüsse, Jazz, arabische Musik, die Spielkultur aus Robinson Khourys klassischer Ausbildung, die Liebe zum Gesang und den Drang zur Veränderung, die sich in Transara wiederfinden. Und die Musik ist auch ein Kommentar auf unsere Zeit, bewegt sich stetig zwischen Melancholie und Wärme. „Angesichts der Welt, die uns umgibt, kann man nicht anders, als nachdenklich und melancholisch zu sein,“ sagt Robinson Khoury. Gleichzeitig gehe es ihm darum, einen geschützten Raum zu schaffen in dem sich Musiker und Publikum sicher und geborgen fühlen und ihre Gefühle und Gedanken teilen können. Ein zentrales Beispiel dafür ist das Stück „Poussière“ („Staub“). Khoury erklärt, es gehe um all die Leben, die „zu früh von uns gehen“. Zugleich liege darin eine tröstliche Perspektive: „Sie sind nicht einfach verschwunden. Der Staub bleibt Teil dieses Planeten, wir atmen ihn, er ist Teil von uns.“ Aus dieser Vorstellung entstehe Hoffnung – die Gewissheit, dass Vergangenes weiterwirkt und uns hilft, „weiter zu hoffen und zu atmen“. CreditsRecorded in October 2025 at Studio Gil Evans, AmiensRecorded & mixed by Mathieu PionMastered by Pierre-Emmanuel MeriaudComposed by Robinson Khoury, except 8 (composed by Léo Jassef)Photo by Sylvain Gripoix

Johanna Summer: Dialoge CD / Vinyl (LP, 180g) / digital  Johanna Summer piano Claire Huangci piano Danae Dörken piano Kit Armstrong piano Igor Levit pianoWelch ein Erlebnis, durch Robert Schumanns „Waldszenen“ zu spazieren und plötzlich auf ganz neue Pfade abzubiegen! So erging es dem Publikum, das beim Lucerne Klavier Fest 2023 Zeuge eines einzigartigen Austauschs zwischen der Pianistin Johanna Summer und Igor Levit wurde, welcher diese gemeinsame Begegnung im Anschluss zu seinen „künstlerisch erfüllendsten Momente der letzten Jahre“ zählte. Levit machte den Aufschlag und spielte das erste Stück des romantischen Zyklus im Original, Summer nahm den Faden der jeweiligen Miniatur auf und lieferte mit einer Improvisation über das Gehörte ein Paradebeispiel ihrer musikalischen Intuition. Nichts an diesem Abend war abgesprochen, der Dialog zwischen Schumanns Klassikern und Summers Variationen entstand frei und ganz aus dem Moment heraus.Für Johanna Summer, deren Zusammenarbeit mit Andreas Brandis als Produzenten bereits die vielbeachteten Alben Resonanzen und Cameo hervorgebracht hatte, wurde dieses Konzert in Luzern zum Anstoß für das neue Album Dialoge. Das Setting: Vier Duos zusammen mit den Pianist*innen Claire Huangci, Kit Armstrong, Danae Dörken und Igor Levit, jeweils an zwei Flügeln. Das Ziel: ein freier Austausch zwischen Tradition und Gegenwart, Komposition und Improvisation. Hinsichtlich des Repertoires sollten sich Summers Studiogäste die größtmögliche Freiheit nehmen, wie die Pianistin erklärt: „Ich bat sie, Stücke mitzubringen, mit denen sie sich identifizieren können. Und es sollte in Ordnung sein, wenn ich dann noch etwas hinzufüge.“ Johanna Summer wusste bis zum ersten gespielten Ton nicht, für welche Werke sich ihre Gegenüber entschieden hatten. Um der Musik gegenüber völlig unvoreingenommen zu sein, verließ sie sogar den Raum, wenn sich ihre Kolleg*innen vor der Aufnahme einspielten. Aus diesem Überraschungsmoment heraus ergibt sich die enorm risikofreudige, dynamische Wirkung, die „Dialoge“ beim Hören hinterlässt. Besonders reizvoll war es für Summer, in die sehr persönliche Musikauswahl ihrer Duopartner*innen einzutauchen. Sie erläutert: „Danae wählte als Halbgriechin einen griechischen Schwerpunkt, mit Kompositionen von Manolis Kalomiris oder Mikis Theodorakis. Das Prelude von Zhou Tian wurde direkt für Claire geschrieben, die beiden kennen sich seit Studienzeiten. Igor hat mit dem ‚Andantino de Clara‘ wiederum ein Stück aus der Feder von Robert Schumann mitgebracht – das passte nach unserer gemeinsamen Vorgeschichte natürlich hervorragend. Und Kit hat bereicherte auf unkonventionelle Weise das Programm mit spontanen Zitaten aus seinem Repertoire – von der Renaissance bis in die Wiener Klassik.“Das improvisatorische Weiter-Erzählen klassischer und zeitgenössischer Werke ist weitaus weniger üblich als das freie Spiel über Jazz- oder Pop-Standards. Mancherorts sorgt Summers ungewöhnliche Spielhaltung für Irritationen. So befand ein arrivierter Klassik-Kritiker nach umjubeltem Auftritt der Pianistin beim Lucerne Klavier Fest, diese Art von Umgang mit der Klaviertradition „passe in unsere fake-verliebte Gegenwart, in der zwischen Original und Fälschung immer weniger unterschieden wird.“ Fragt man Johanna Summer selbst nach dem Wie und Warum, wird schnell klar, dass es ihr nicht darum geht, der europäischen Klassik des Effekts wegen ein neues Gewand aufzuzwingen. Vielmehr geht es ihr um eine persönliche und zutiefst aufrichtige Sicht auf die musikalischen Vorlagen. „Mich interessiert am meisten: was will uns dieses Werk sagen? Welche Haltung, welche Energie steckt darin – und wie übersetze ich sie in mein persönliches Vokabular, das sich eben nicht nur aus der Klassik speist? Es geht darum, die Essenz des Stücks für sich selbst zu erkennen und eine Deutungsweise zu entwickeln. Im Prinzip macht jeder klassische Pianist mit seiner Interpretation nichts anderes. Die schönsten Momente sind die, in denen man unerwartet ein kleines Juwel entdeckt, sei es eine hübsche Phrase oder eine ungewöhnliche Akkordkombination, und erstmal wie verzaubert ist. Das erinnert mich an das Gefühl, dass, wenn ich als Kind einen Schrank aufräumte, ich manchmal ein längst vergessenes Spielzeug darin wiederfand. Und plötzlich entfaltet sich daraus ein ganzer Kosmos an Kreativität.“Ist das nun Klassik? Oder Jazz? Und ist das überhaupt wichtig? Johanna Summer empfindet sich eher nicht als „Jazzpianistin“. Am besten einfach: Pianistin. Klavier-Ikone Joachim Kühn, selbst ein großer Brückenbauer zwischen Genres und Epochen, nennt das, was Johanna Summer macht „Musik voller Phantasie und ohne Kategorie“. Ob solistisch improvisierend, im Duo mit klassischen Musiker*innen oder im Umfeld von Grenzgängern wie Malakoff Kowalski oder Chilly Gonzales – Johanna Summers musikalische Vorstellungskraft scheint keine Grenzen zu kennen. Jede Begegnung mit dem Instrument und anderen Künstler*innen ist ein neuer Aufbruch. Und Johanna Summer klingt dabei immer ganz nach sich selbst. CreditsRecorded 19.06. and 23.07.2025 at Emil Berliner StudiosRecorded by Lukas KowalskiMixed and mastered by Emanuel UchProduced by Andreas BrandisPhotos by Gregor Hohenberg, Ilan HamranCover art by Małgorzata Szymankiewicz, Untitled 390, 2025,acrylic on canvas, 100 × 90 cmUsed by kind permission of the artist and

Mahan Mirarab: Unspoken CD / Vinyl (LP, 180g) / digital  Mahan Mirarab guitar, fretless guitar, oud Kian Soltani cello featured on #9,11, 5 Lars Danielsson bass featured on #7, 3 Golnar Shahyar vocals featured #8Unspoken, das ACT-Debüt des aus dem Iran stammenden, in Wien lebenden Gitarristen Mahan Mirarab, öffnet eine ganze Welt voller tief empfundener Geschichten zwischen Ost und West, Dunkelheit und Schönheit, Trauer und Freude. Und es offenbart einen zutiefst menschlichen, innigen, sensiblen Blick auf eine Zeit voller Spannungen und Widersprüche. Solo an der Doppelhalsgitarre sowie auf einigen Stücken zusammen mit Kian Soltani (Cello), Lars Danielsson (Kontrabass) und Golnar Shahyar (Gesang) zeichnet Mirarab auch seine persönliche musikalische Reise nach: Jazz verbindet sich mit Einflüssen klassischer und folkloristischer Musik aus dem Iran, mit europäischer Kammermusik und liedhaften Elementen.Geboren wurde Mahan Mirarab in Teheran. Dort lernte er zunächst Klavier und Gitarre, mit 14 Jahren spielte er Bass in einer Pink-Floyd-Coverband. Durch die Teheraner Underground-Szene kam Mahan Mirarab intensiver mit westlicher Musik wie Jazz und Progressive Rock in Berührung. Die Ressourcen dafür waren damals sehr begrenzt, Aufnahmen gab es vor allem in Form von auf dem Schwarzmarkt gehandelten Kassetten. Über diese entdeckte Mahan Mirarab die Musik amerikanischer Jazzmusiker wie Bud Powell, Chick Corea oder George Benson. Er hörte deren Musik so oft, dass er bald jedes einzelne Solo mitsingen konnte und schließlich für die Gitarre transkribierte. Dies alles war ein beachtliches Risiko, wie sich Mahan Mirarab erinnert: „Musikkassetten zu besitzen war strafbar. Ich hatte einen Freund, der wegen eines kopierten Jazz-Tapes im Gefängnis landete.“ Doch die Neugier auf die unbekannte Musik war stärker. Unter anderem spielte Mahan Mirarab in einer Weather-Report-Coverband, die vor allem in Botschaften auftrat. Der österreichische Botschafter in Teheran war großer Joe-Zawinul-Fan und half Mahan Mirarab, der sich längst entschlossen hatte, die (Musik-)Welt jenseits seines Heimatlands zu entdecken, bei der Ausreise. So verschlug es Mirarab im Jahr 2009 nach Wien, wo er bis heute lebt. Dort entschied sich Mahan Mirarab, der zuvor im Iran Architektur studiert hatte, gegen ein Musikstudium. Er wollte lieber die Szene kennenlernen, eigene Projekte starten und vor allem die Musik spielen, die ihm persönlich entsprach, fern von institutionellen Strukturen. 2009 nahm er sein erstes Trio-Album auf, das sich mit einer persischen Perspektive auf Jazz beschäftigte. Dadurch fand er langsam Zugang zur Szene, spielte Konzerte in lokalen Jazzclubs sowie kleineren Festivals und knüpfte wichtige Kontakte. Erste internationale Erfahrungen folgten und schließlich wurde ein gemeinsames Projekt mit seiner Frau, der Sängerin Golnar Shahyar, zu einem internationalen Erfolg, mit Konzerten weltweit und wachsender Aufmerksamkeit. Gleichzeitig verstärkte sich für Mahan Mirarab das Gefühl, sich nur behaupten zu können, wenn er stets alle Facetten seines Könnens als Musiker und Komponist unter Beweis stellte. Dieser Anspruch entstand eher unbewusst und war stark von seinem Umfeld geprägt – als eine Art Überlebensstrategie, die ihn dazu brachte, sich ständig zu perfektionieren.Als ACT-Chef und Produzent Andreas Brandis auf Mahan Mirarab aufmerksam wurde, schickte dieser dann auch gleich einen ganzen Berg an unterschiedlichstem Material an das Label. Doch es war eine kleine Solo-Skizze, bei der es Klick machte: „Unter den Stücken, die ich geschickt hatte, war auch ‚first idea‘“, erinnert sich Mahan Mirarab, „und Andreas Brandis und Michael Gottfried von ACT sagten ziemlich schnell: Das ist es, lass uns hier tiefer eintauchen und ein ganzes Soloalbum zusammen produzieren. Ich empfand das als sehr befreiend, wie eine Erlaubnis, nicht immer alles zeigen zu müssen, zu dem ich in der Lage bin, sondern einfach nur ich selbst sein zu dürfen.“ Mahan Mirarab und Andreas Brandis trafen sich mehrmals persönlich, auch einmal in Paris, telefonierten und besprachen eine Menge Solo-Ideen, die schließlich die Basis für das Album Unspoken bildeten.In diesem gemeinsamen Prozess entstand auch die Idee, für einige Stücke des Albums Gäste einzuladen: Der klassische Cellist Kian Soltani stammt ebenfalls aus dem Iran, und Mahan Mirarab beschreibt weitere wichtige Gemeinsamkeiten: „Kian ist ein perfekter klassischer Cellist, aber er kann auch wirklich gut improvisieren. Und er ist ein toller Komponist. Ich habe Cello-Linien für ihn geschrieben, und er hat diese komplett neu arrangiert und generell viel Kreativität mitgebracht.“ Mit Bassist Lars Danielsson ist Mahan Mirarab schon lange vertraut, nur getroffen haben sich die beiden erst jetzt. „Lars kenne ich seit meiner Zeit im Iran, ich meine von einer Aufnahme mit John Abercrombie. Später habe ich viele seiner Kompositionen gelernt, einfach für mich selbst, weil ich sie so gut fand. Sowohl in seinen Kompositionen wie auch in seinen Improvisationen hat Lars dieses unglaubliche Bewusstsein für Dynamik, Harmonie und Raum in der Musik. Mir war es wichtig, ihn auch als Mensch kennenzulernen. Deshalb bin ich extra nach Göteborg geflogen, um unbedingt mit ihm in einem Raum aufzunehmen. Obwohl es dort genug Platz gab, saßen wir sehr nah beieinander – was unser gemeinsames Spiel besonders intensiv und unmittelbar gemacht hat.“ Die Beziehung zu der Sängerin Golnar Shahyar könnte nicht enger sein, schließlich sind sie und Mahan Mirarab auch privat ein Paar. Nachdem beide seit 2011 viel zusammen auf der Bühne und im Studio standen, haben sie sich in den letzten Jahren stärker auf ihre eigenen Projekte konzentriert. Aber es bleibt eine besondere Verbindung, die man hören kann, geprägt von großem Können und tiefer Vertrautheit und Emotionalität. Überhaupt gibt es nicht die Spur eines Zweifels: Unspoken ist persönlich. So erzählen die Stücke „Banoo“ und „A Way to Mourn“ von Mahan Mirarabs Großmutter, die während der Zeit der Aufnahmen starb. Im Stück „Jina“ trifft das Persönliche auf das Kollektive: Im Kurdischen bedeutet der Titel „Leben“ und ist untrennbar mit der jungen Frau Jina Mahsa Amini verbunden, deren Tod in Gewahrsam der iranischen Sittenpolizei im Jahr 2022 eine landesweite Protestbewegung auslöste. Es waren Ereignisse, die Mahan Mirarab tief verändert haben. Lange Zeit war er nicht in der Lage, darüber zu schreiben, erst Unspoken gab ihm den Mut dazu. „Sparkling“ ist Mahan Mirarabs Lieblingsstück aus der Feder seiner Ehefrau Golnar, und die Version von „In a Silent Way“ ist eine Referenz an Joe Zawinul, dessen Einfluss einst so viele Türen öffnete. Und auch das Instrument, mit dem Mahan Mirarab Unspoken eingespielt hat, ist eine persönliche Einzelanfertigung des türkischen Gitarrenbauers Ekrem Özkarpat: eine doppelhalsige Gitarre mit einem bundlosen und einem bündigen Griffbrett. Das Instrument steht fast schon metaphorisch für die zwei Welten, in denen sich Mahan Mirarab bewegt: die in Halbtöne strukturierte westliche Welt und die mikrotonale seiner Heimat.Fragt man Mahan Mirarab, wie er die aktuelle Lage im Iran empfindet und wie sich diese in seiner Musik widerspiegelt, muss er lange überlegen. „Es ist schwer, aus der Distanz mitzuerleben, was gerade passiert. Ich habe 25 Jahre im Iran gelebt, habe unglaublich viele Erinnerungen, und meine Eltern und viele Freunde leben noch dort. Das fühlt sich sehr melancholisch an. Aber mein Bezug zu meinem Herkunftsland ist kein nationaler. Am Ende spielt es keine Rolle, wo sich Kriege und Konflikte abspielen – es geht immer um Menschen, die überall auf der Welt gleich fühlen. Ich denke, es ist wichtig, aufmerksam, sensibel und empathisch zu bleiben, irgendwie zu reflektieren, was um uns herum geschieht.“ Diese menschliche Reflektion der Welt in all ihren widersprüchlichen Facetten ist es, was Unspoken so einzigartig und berührend macht.CreditsMusic composed & arranged by Mahan Mirarab, except 6 (traditional folklore music from Mazandaran, North of Iran), 12 (Joe Zawinul), 8 (Golnar Shahyar), 10 (Andrey Babayev); cello lines in 5 and 11 arranged by Mahan Mirarab & Kian SoltaniProduced by Mahan Mirarab & Andreas BrandisA Way to Mourn & Lars in Isfahan recorded on December 4 at Tia Dia Studios, Mölnlycke, Sweden, by Åke LintonChoopan 42, Sparkling Dark Gaze, Weißensee, Jina recorded on January 12 at Westbahnstudios, Vienna, by Farhad KhanbilverdiSolo tracks recorded on December 14 & 28 at Creative Cluster, Vienna, by Mahan MirarabMixed by Christoph BurgstallerMastered by Klaus ScheuermannPhoto by Victoria NazarovaMahan performs on guitars built by Ekrem ÖzkarpatKian Soltani appears courtesy of Deutsche Grammophon Gesellschaft

Michael Wollny & Emile Parisien: FreiheitACT Shop Exklusiv! CD / Vinyl (LP, 180g)  Emile Parisien soprano saxophoneMichael Wollny pianoAuf ihrem ersten gemeinsamen Duoalbum laden Pianist Michael Wollny und Sopransaxofonist Emile Parisien die Hörerinnen und Hörer zu einem von Vertrauen, Intuition und vollkommener künstlerischer Freiheit geprägtem musikalischem Dialog ein. Die im Rahmen des Bodenseefestivals 2025 entstandene Live-Aufnahme hält das Zusammentreffen zweier einzigartiger Charaktere fest - in einem Raum, in dem nichts kontrolliert, nichts vorherbestimmt ist und jede Geste zur unmittelbaren Antwort auf den Moment wird. Emile Parisien: „Ich empfinde es als seltenes Privileg, die Bühne mit einem so außergewöhnlichen Musiker wie Michael Wollny zu teilen: jemandem mit einem tiefen Sinn für das Zuhören, durch den alles möglich wird. Es ist mir eine Ehre, ihm begegnet zu sein und mich auf diese Weise an seiner Seite ausdrücken zu können – besonders in der Welt, in der wir heute leben. Danke, Michael, für diese Leidenschaft und für deine bemerkenswerte musikalische Intelligenz.“ Michael Wollny: „In diesem Duo kontrollieren oder planen wir nichts. Wir hören auf das, was die Musik offenbart, und erlauben ihr, uns an Orte zu führen, die wir niemals hätten voraussehen können. Es ist eine große Freude und eine Ehre, diese kostbaren Momente auf der Bühne mit meinem Freund zu erleben, dem einzigartigen Emile Parisien, der auf magische Weise alle Türen der Wahrnehmung und Möglichkeit öffnet. Danke, dass du diesen Weg gemeinsam mit mir gehst und unsere gegenseitige Intuition musikalischer Freiheit teilst – die Fähigkeit, wirklich zu spielen.“ Zwischen Wollnys tiefgründiger Sensibilität am Klavier und Parisiens furchtloser Fantasie am Saxophon entfaltet sich die Musik als gemeinsamer Akt der Entdeckung. Ihr Dialog wird von intensivem Zuhören geleitet: Melodien entstehen, unerwartete Wege zeichnen sich mit beeindruckender Klarheit ab. Eine seltene Begegnung zweier unverwechselbarer Künstler und langjähriger Freunde.CreditsRecorded on 26 May 2025 at Gnadenkirche Allensbach, presented by Bodensee Festival Recording & Sound Direction: Martin Pilger Recording Engineers: Yue Liu, Martin Pilger Mastered by Klaus ScheuermannPhotography: Jörg Steinmetz Cover art © Katja Strunz, Courtesy Contemporary Fine Arts Design by Siggi Loch A production of Südwestrundfunk, 2025 The concert was recorded at 26. JAZZ am SEE Allensbach in the Ev. Gnadenkirche, as part of the Bodensee Festival 2025, with Michael Wollny appearing as Artist in Residence.

past is present | Nils Landgren & Esbjörn Svensson: Swedish Folk ModernEine kuratierte Vinyl-Serie von ACT Music, in der die Vergangenheit zur Gegenwart wird. Zeitlose Aufnahmen, die nicht nur weiterleben, sondern im Hier und Jetzt neu erlebbar werden.Erstmals auf VinylLimitiert auf 1.000 Exemplare, alle handnummeriertRe-mastered für VinylHochwertige 180g Pressung, Schwarze Vinyl, LackfolienschnittEigens für diese Ausgabe verfasste Liner Notes inklusive Obi-Strip aus Premium-Kunstdruckpapier für SammlerIndividuell gestaltete Labels und Innenhülle, inspiriert vom Original-ArtworkGestaltete Innenhülle als erzählerisches Kernelement des Albums, gedruckt auf beschichtetem BilderdruckpapierWer neue Musik entdecken möchte, sollte nicht nur in der Gegenwart suchen. Der heutige Blick auf Musik und ihre Protagonist:innen verleiht historischen Aufnahmen oft eine ganz neue Wirkung. past is present ist ACTs neue Reihe sorgfältig kuratierter Vinyl-Veröffentlichungen, gewidmet den musikalischen Geschichten aus mehr als 30 Jahren Labelgeschichte. Jeder Titel erscheint erstmals auf Vinyl oder in einer neu remasterten Fassung – in höchstmöglicher Klangtreue und stets der ursprünglichen künstlerischen Vision verpflichtet. Jede Veröffentlichung ist als limitierte, handnummerierte Sammleredition konzipiert – für alle, denen Klang und Objekt gleichermaßen am Herzen liegen. Das originale Cover-Artwork bleibt erhalten und wird durch eine veredelte Ausstattung zusätzlich aufgewertet: ein eigens gestalteter Collector's-Obi, neu verfasste Liner Notes, individuell entworfene Labels und eine eigens gestaltete Innenhülle – alles Teil einer stimmigen Serienidentität und eines erstklassigen Vinyl-Erlebnisses. Das erste Album der Reihe verkörpert die Philosophie von past is present eindrucksvoll: Swedish Folk Modern vereint Esbjörn Svensson und Nils Landgren, zwei der einflussreichsten europäischen Jazzmusiker, in einem seltenen, zutiefst intimen Setting. Mit großer Sensibilität improvisieren Svensson und Landgren über schwedische Volkslieder: Stücke über Liebe und Trauer, vom Feld und aus der Kirche, die in Schweden nahezu jeder kennt. Swedish Folk Modern ist nicht nur ein außergewöhnliches Album zweier Musiker, die einander blind verstehen. Es ist auch ein bewegendes Zeugnis für die Vielfalt der Geschichten, die sich mit dem Vokabular des Jazz erzählen lassen. Zusammen mit dem Nachfolger Layers of Light und dem posthum erschienenen Soloalbum HOME.S. gehört es zu den einzigen Aufnahmen, auf denen Esbjörn Svensson, der am 14. Juni 2008 verstarb, als Leader außerhalb seines legendären Trios e.s.t. zu hören ist. Ein wahres Juwel der europäischen Jazzgeschichte, jetzt erstmals auf Vinyl. 

Joel Lyssarides: Late on EarthCD / Vinyl (LP, 180g) / Limited Curacao Blue Vinyl (LP, 180g) / digital Joel Lyssarides piano Niklas Fernqvist bass Rasmus Blixt drumsFür den schwedischen Pianisten Joel Lyssarides stehen Substanz und Tiefe stets über großen Konzepten, Emotion und Ausdruck über bloßer Virtuosität. Musikmachen sei für ihn wie die Suche nach Sandkörnern in der Wüste. Ein andauernder Weg vieler kleiner Schritte. Seine Musik lebt von ihren Details: von feinsten Nuancen, von subtilen Verschiebungen in Harmonie, Groove und Dynamik. Und von einem charakteristischen, glasklaren, aber nie scharfen Sound am Piano. Dass Joel Lyssarides‘ Musik inzwischen über 100 Millionen Streams erreicht hat, zeigt: Diese leise Intensität findet weltweit ihr Publikum.Lyssarides gehört zu jener Generation europäischer Jazzmusiker, die stilistische Grenzen längst hinter sich gelassen haben. Er ist ein gefragter Partner – aktuell an der Seite von Nils Landgren und als Teil des e.s.t.-Tribute-Projekts mit Dan Berglund und Magnus Öström, aber auch als Komponist für Pop-Produktionen oder Musik zu Videospielen. Im Zentrum seines Schaffens steht jedoch weiterhin das Klaviertrio – jene Formation, in der sich sein musikalischer Kosmos am unmittelbarsten entfaltet.Joel Lyssarides‘ neues Album Late on Earth ist das Ergebnis eines ungewöhnlich langen und intensiven Prozesses. Über mehr als vier Jahre hinweg entwickelte sich die Musik in engem Austausch mit Produzent Andreas Brandis – ein kreativer Dialog, der Lyssarides ermutigte, neue Wege zu gehen. „Es war ein fast schon therapeutisch. Einerseits weiß Andreas, wozu ich musikalisch in der Lage bin, aber ich habe auch eine Menge Zweifel mit ihm geteilt. Am Ende haben wir alles zusammen beschlossen, die Auswahl der Besetzung, das Studio (in diesem Fall das legendäre Bauer Studio), die Songs, die finalen Takes. Das alles hat mir enorm geholfen und ich glaube, ich konnte noch nie auf einer Aufnahme so ehrlich festhalten, wer ich bin und was ich empfinde.“ Und er scherzt: „Zum ersten Mal habe ich auf einem Album auch Stücke in Dur!“Ein besonders wichtiger Grund für die emotionale Tiefe der Musik war, dass Brandis Lyssarides ermutigte, mehr Risiken einzugehen und seine Vorstellung von Perfektion loszulassen. „Gerade in einer Zeit, in der Musik immer stärker digital poliert oder gleich komplett von K.I. generiert wird, interessierte Andreas vor allem das Gegenteil: das Menschliche. Am Ende sind es oft die kleinen Unvollkommenheiten, die Musik lebendig machen, es geht darum die Suche nach dem, wer Du bist, nach Deinem Sound, Deinem Ausdruck festzuhalten.“Dabei folgt Joel Lyssarides keiner konzeptionellen Agenda. Seine Musik entsteht aus unmittelbarer Erfahrung. „Ich setze mich ans Klavier, fühle etwas – und spiele, oft stundenlang.“ Viele Stücke auf Late on Earth sind aus solchen Momenten entstanden: aus Schlaflosigkeit, aus Liebe, aus flüchtigen Gedanken oder kleinen Beobachtungen. Und es ist für Lyssarides ein großes Glück, wenn es diese kleinen Momente nach draußen, zu den Hörer*innen schaffen und ihr eigenes Leben entwickeln. Das kann sich auch skurril anfühlen, wie er beschreibt: „Neulich hat mir ein anderer Pianist seine Version eines meiner Stücke geschickt und geschrieben, wieviel es ihm bedeutet. Und ich habe gedacht: Moment, die Nummer habe ich um vier Uhr morgens in meiner Unterwäsche geschrieben.“ Late on Earth ist eine Sammlung aufrichtiger musikalischer Momentaufnahmen – voller Schönheit, manchmal mit rauen Kanten, immer getragen von großer emotionaler Klarheit. CreditsRecorded 07–08 July 2025 at Bauer Studios, Ludwigsburg Recorded, mixed and mastered by Adrian von Ripka Composed by Joel Lyssarides Produced by Andreas Brandis Photos by Andreas Brandis (Joel Lyssarides),Joel Lyssarides (Niklas Fernqvist; Rasmus Blixt)Cover art by Jiří Georg Dokoupil, used by kind permission of the artist© VG Bild-Kunst, Bonn 2026Design by Siggi Loch

Joachim Kühn: Joachim Kühn & Young LionsCD / Vinyl (LP, 180g) / digital Joachim Kühn piano Jakob Bänsch trumpet AndrésColl marimba Nils Kugelmann bass Sebastian Wolfgruber drumsWenn man Joachim Kühn um seinen 80. Geburtstag im Jahr 2024 fragte, was er über das Älterwerden denkt, fiel die Antwort erstaunlich klar aus: Es ärgert ihn. Kein Anlass zur Sentimentalität, kein Grund zum Feiern – vielmehr ein Zustand, gegen den anzuspielen ist: gegen den Lauf der Zeit, gegen Ablenkung und Zerstreuung, gegen jeden Anflug von Stillstand.Doch fragt man ihn, wie es ihm wirklich geht, zeigt sich ein anderes, fast widersprüchliches Bild. „Ich bin produktiver denn je. Mein Tagesablauf dreht sich komplett um die Musik. Ich komponiere und improvisiere. Jeden Tag, stundenlang.“ Achtzig-plus bedeutet für Joachim Kühn vor allem eines: keine Zeit verlieren. Üben, kreieren, weitergehen. „Ich möchte noch freier spielen“, sagt er, „wie all die großen Musiker am Ende ihres Lebens – Bach etwa oder John Coltrane.“Dieser unerschöpfliche Drang, besser zu werden, sich nicht zu wiederholen, Neues auszuprobieren, prägt Kühns gesamtes musikalisches Leben. Klassik, Free Jazz, Jazzrock, Modern Jazz, Musiken der Welt – Joachim Kühn ist ständig auf der Suche nach neuen Inspirationen. Und nach Musikern, die ihn herausfordern, zwingen, wach zu bleiben und sich weiterzuentwickeln.Das Album Joachim Kühn & Young Lions erfüllt all diese Bedürfnisse. Kühn schrieb im Dezember 2024 und Januar 2025 neue Musik mit dem Ziel, diese mit Menschen aufzunehmen, mit denen er noch nie zuvor gespielt hatte. „Vom Sound her war meine Idee: Trompete und Marimbaphon“, erinnert er sich. Der Vibraphon-Part war von Anfang an klar: Andrés Coll, den Joachim Kühn in seiner Wahlheimat Ibiza entdeckte. „Ein unglaubliches Talent“, wie er sagt. Man könnte meinen, dass sich zwei Virtuosen an zwei verwandten Instrumenten gegenseitig im Weg stünden. Doch das Gegenteil geschieht: Coll spielt nicht weniger dicht und intensiv als Kühn, aber statt sich gegenseitig den Raum zu nehmen, verschmelzen ihre Noten, mischen sich wie Farbtupfer auf einem Gemälde zu neuen, noch intensiveren Tönen.Die Suche nach dem passenden Trompeter gestaltete sich schwieriger. „Ich habe mir sehr viele Kandidaten angehört, aber keiner hat mich überzeugt. Schließlich empfahl mir mein Freund Roland Spiegel, Jazzredakteur beim Bayerischen Rundfunk, den jungen Jakob Bänsch und spielte mir dessen Musik vor. Ich wusste schon in der ersten Minute: Der muss unbedingt dabei sein.“ Bänsch besuchte Kühn auf Ibiza, und zusammen mit Andrés Coll probten sie vier Tage lang gemeinsam die besonders auf der Trompete extrem anspruchsvoll zu spielende Musik. Die Anstrengung lohnte sich. Bänsch gelingt auf dem Album ein Spagat: klar und intonationsstark in Kühns komplexen Themen und zugleich wendig und nuanciert in den sehr freien Improvisationen.Die Rhythmusgruppe von Young Lions entstand durch eine Begegnung mit ACT-Chef Andreas Brandis. Dieser war von der Idee einer neuen Band mit jungen Musikern sofort begeistert und spielte Kühn das Album Life Score des Nils Kugelmann Trios vor. Kühn und Kontrabassist Kugelmann trafen sich noch am selben Tag im Berliner ACT-Büro. „Wir mochten uns spontan sehr. Ich hörte nach unserem Treffen intensiver seine Musik und dachte: Der passt perfekt“, erinnert sich Kühn. Offen war noch die Frage nach dem Schlagzeuger: Nachdem Kühn Nils Kugelmanns Album mehrmals gehört hatte, wurde ihm klar: „Kugelmann und sein Schlagzeuger Sebastian Wolfgruber sind doch ein Team! Die kennen einander und funktionieren fantastisch zusammen für die neue Band.“ Wie ihre Mitspieler glänzen auch Kugelmann und Wolfgruber mit Meisterschaft in zwei scheinbar gegensätzlichen Bereichen: Gewicht, Erdung, Stabilität, wenn es die Musik erfordert – und im nächsten Moment vollkommener Freiflug über alle musikalischen Grenzen hinweg. Unterm Strich ist Young Lions, aufgenommen im Studio von Joachim Kühns Freund und Produzent Axel Kroell, ein Glücksfall – für die Zuhörer, die Band und ihren Leader, der sagt: „Diese vier Typen, alle zwischen Anfang 20 und Anfang 30, sind Ausnahmemusiker ihrer Generation. Einer unter tausend hat so ein Talent, bei dem du sofort weißt: Die werden mal ganz groß. Eigentlich sind sie es jetzt schon. Aber was die erst in ein paar Jahren spielen werden – darauf freue ich mich schon heute. Die haben mich echt angezündet, wir spielen absolut auf Augenhöhe, ich bin total begeistert.“ Die vielleicht wichtigste Botschaft des Albums ist die des Miteinanders, des Verbindens von unterschiedlichen Generationen und Persönlichkeiten. In einer Zeit der Polarisierungen ist dies so etwas wie eine musikalische Utopie. Und durch diese entsteht neue Musik, die mehr ist als die Summe ihrer Teile. Young Lions ist die Essenz der Idee des Jazz – und auch die Essenz von Joachim Kühn, einem ihrer weltweit wichtigsten Vertreter. CreditsRecorded August 27th to 28th 2025, at Polyester Studio, Munich, GermanyRecorded, mixed and mastered by Klaus ScheuermannAll music composed by Joachim KühnPiano tuner: Alex MahlerJoachim Kühn is a Steinway ArtistProduced by Axel KroellExecutive Producer: Andreas BrandisPhotos by Tibor Bozi Cover art by SHOSHU © 2025Used by kind permission of the artistDesign by Siggi Loch

Lars Danielsson: Echomyr CD / Vinyl (LP, 180g) / digital  Lars Danielsson double bass, cello, gimbri (#10), piano (#10), electric guitar (#6) Gregory Privat pianoJohn Parricelli guitar Magnus Öström drums & percussionGuests: Arve Henriksen trumpet on #3, 7Magnus Lindgren flute & alto flute on #6Carolina Grinne English horn on #8 Echomyr, der Titel des fünften Albums der „Liberetto“-Reihe des schwedischen Kontrabass- und Cellomeisters sowie Komponisten Lars Danielsson, steht für Musik aus dem tiefsten Inneren. „Der Albumtitel ist eine Eigenkreation,“ sagt Danielsson. „Echo beschreibt ein weites Feld von Klang, myr ist ein altes nordisches Wort für ‚Moor‘. Klang aus den Tiefen der Erde, aus dem tiefsten Inneren. Gerade jetzt stellen wir uns die Frage, was uns menschlich und unverwechselbar macht. Danach habe ich mein ganzes Leben lang als Musiker gesucht: nicht einfach etwas zu kopieren, das es schon gibt, sondern etwas zu finden, das aus dem eigenen Herzen und aus einem selbst kommt.“Mit Echomyr führt Lars Danielsson seinen ganz eigenen musikalischen Weg konsequent fort. Er verbindet die Freiheit, Harmonik und rhythmische Intensität des Jazz mit der Klangkultur seiner klassischen Wurzeln sowie der melodischen Eingängigkeit populärer und folkloristischer Lieder. Danielssons Kompositionen erkennt man sofort. Er ist ein Meister der Melodie und besitzt die Fähigkeit, Komplexes stets einfach und natürlich klingen zu lassen. Früher, erzählt Danielsson, der mit Rock’n’Roll und Free Jazz aufwuchs, habe er oft kompliziert komponiert, um sich hinter dieser Komplexität zu verstecken. Heute sucht er das Gegenteil: Klarheit. „Es ist nicht schwierig, komplizierte Musik zu schreiben. Aber Musik zu schreiben, die Menschen verstehen und die dennoch Persönlichkeit und Tiefe besitzt – das ist eine echte Herausforderung, die ich immer wieder annehme.“ Es ist genau diese Balance aus Tiefgang und Leichtigkeit, die Danielssons Musik so besonders macht – und auf Echomyr erreicht sie eine neue Evolutionsstufe. Für Danielsson sind Kontinuität und Weiterentwicklung wertvoller als die ständige Suche nach spektakulären Konzepten. Mit dem Kern seines „Liberetto“-Quartetts – e.s.t.-Drummer Magnus Öström und dem renommierten britischen Gitarristen John Parricelli – arbeitet er seit über 15 Jahren zusammen. Die Klavierposition hatte zunächst Tigran Hamasyan inne; seit 2017 ist Gregory Privat fester Pianist der Band – mit einer idealen Mischung aus Virtuosität und stets songdienlichem Spiel. Dazu kommen drei Solist*innen, die alle eine große Gesanglichkeit an ihren Instrumenten gemein haben und die Stücke des Albums um ihre „Stimmen“ erweitern: Trompeter Arve Henriksen, Flötist Magnus Lindgren und Carolina Grinne am English Horn. Beim Komponieren denke er weder an Markt noch an Erfolg, sagt Danielsson. Mit der Zeit sammle sich genügend Material an; dann arbeite er – oft gemeinsam mit seiner Frau und musikalischen Partnerin Cæcilie Norbe und engen Vertrauten seines Labels ACT – an der Dramaturgie, aus der ein Album entsteht, das Menschen berühren kann. Doch selbst dann gehe es ihm nicht darum, zu gefallen, sondern um einen ehrlichen, tief empfundenen Ausdruck. So entstand „Something She Said“, das letzte Stück auf Echomyr, unter dem Eindruck von Nachrichtenbildern aus aktuellen Kriegsgebieten wie Gaza oder der Ukraine. Danielsson reagiert nicht mit Lautstärke oder Wut, sondern mit Nachdenklichkeit und Mitgefühl. Ein Echo aus dem Inneren – ehrlich, klar und zeitlos.CreditsMusic composed by Lars Danielsson Horn arrangement on #3 by Arve Henriksen Recorded April 6-9 and Oct 28-31, 2025   Recorded and mixed by Bo Savik at Tia Dia Studios, Mölnlycke, Sweden Mastered by Klaus Scheuermann Piano tuning by Bengt Eriksson Photo by Peter PousardProduced by Cæcilie Norby, Magnus Öström & Lars DanielssonCover art Peter Krüll, used by kind permission of the artist Design by Siggi Loch

SHALOSH: What We Are Made OfCD / Vinyl (LP, 180g) / digital Gadi Stern pianoDavid Michaeli double bassMatan Assayag drums Mit SHALOSH war von Anfang an klar, dass wir uns niemals auf ein einziges Genre festlegen, sondern unsere Musik so offen wie möglich halten wollen“, sagt Schlagzeuger Matan Assayag. „Das ist der beste Weg, um uns als Menschen und Musiker vollständig einzubringen – und die einzige Möglichkeit, wirklich authentisch zu bleiben.“ In den mehr als zehn Jahren seit seiner Gründung hat das Trio genau diesen frei atmenden, energiegeladenen und tief empfundenen Stilmix zu seinem Markenzeichen gemacht: Jazz und Improvisation treffen hier auf Rock, arabische Musik, westliche Klassik und Pop. Musik ohne Grenzen, mitreißend und ansteckend – inzwischen mit Fans auf der ganzen Welt. What We Are Made Of, das vierte Album für ACT, macht die Summe aller Einflüsse, die SHALOSH prägen, eindrucksvoll hörbar. Mit verblüffend fantasievollen Bearbeitungen der 90er-Euro-Pop-Hymne Barbie Girl, Oasis’ Don’t Look Back in Anger, Natalie Imbruglias Hit-Ballade Torn, Muses heftig rockendem Hysteria und seinen vielschichtigen Originalkompositionen ist es das bislang offenste Album der Band. Zugleich ist es das erste Album, für das SHALOSH mit einem Produzenten gearbeitet haben: ACT-Chef Andreas Brandis.„Wir sind ein Piano-Trio in einer Welt voller Piano-Trios – und mit bereits sechs Alben im Rücken wollten wir sicherstellen, dass wir uns weiterhin aus unserer Komfortzone herausbewegen“, sagt Pianist Gadi Stern. „Das führte dazu, dass wir versucht haben, eine Menge fremder Kompositionen aus allen möglichen Richtungen neu zu denken. Und es bedeutete auch, dass wir mit Andreas, den wir seit Jahren kennen und schätzen, eine neue Perspektive dazu genommen haben. Er hat uns in unserem Ansatz, ganz neue Dinge auszuprobieren sehr bestärkt und während einer Woche intensiver Proben, im Studio und auch im Nachgang enorm unterstützt – und das Ergebnis ist außerordentlich kreativ geworden.“Die neun finalen Stücke des Albums sind das Destillat aus einem Vielfachen an Eigenkompositionen und Covers. Gadi Stern beschreibt seinen Prozess im Umgang mit bekannten Vorlagen: „Wenn ich mich einem bekannten Song nähere, suche ich immer nach etwas, das mir persönlich fehlt, obwohl es in der Komposition eigentlich angelegt ist. Barbie Girl beispielsweise ist ein brillant sarkastischer Song mit großartigem Text: in Moll, mit einem melancholischen melodischen Kern – aber die Produktion ist eben 90er-Euro-Pop. Ich habe alle Elemente auseinandergenommen, um zu sehen, wie wir sie wieder zusammensetzen können, sodass es dem aus meiner Sicht ziemlich tragischen Wesen der Nummer gerechter wird. Die Version von Don’t Look Back in Anger entstand während eines Spaziergangs auf einer Reise. Plötzlich hatte ich den Groove im Kopf und habe ihn auf dem Handy aufgenommen, das Ganze hat nur 15 Minuten gedauert.“ Andere Stücke brauchten länger, um zu reifen – etwa die Version von Torn. „Wir hatten sie 2018 für ein Album aufgenommen, aber sie hat es nicht auf die Platte geschafft, weil sie zwölf Minuten lang und völlig chaotisch war“, sagt Bassist David Michaeli. „Wir haben sie Andreas während der Berlin-Sessions vorgespielt – und er war großartig darin, uns zu sagen, was wir streichen und was wir behalten sollten. Plötzlich ergab alles Sinn.“ Auch die eigenen Kompositionen des Trios spannen weite Bögen. Sie reichen vom bitter-süßen, entschleunigten Ella Plays, inspiriert von Sterns Tochter, über das dunkle, vom libanesisch-US-amerikanischen Dichter Khalil Gibran beeinflusste Point of Gravity bis zu den meditativen Harmonien von Circle.„Letztlich ist die Band ein geschützter Raum für uns drei, in dem wir uns frei ausdrücken können“, sagt Assayag. „Wir akzeptieren einander, und all unsere Songs sind eine kollektive Arbeit – genau das hört man auch in der fertigen Musik: die Vielfalt an Einflüssen und Erfahrungen, die uns ausmacht. Deshalb haben wir das Album ‚What We Are Made Of‘ genannt.“ SHALOSH zelebrieren die Freiheit, die Schönheit der Kontraste, den Wert des Aufeinander-Hörens, den zutiefst menschlichen Prozess des Kreativen Suchens und Findens – Qualitäten, die gerade jetzt besonders wichtig scheinen. CreditsRecorded September 10–11, 2025Recorded by Klaus ScheuermannMixed and mastered by Klaus ScheuermannProduced by Andreas BrandisCover art by Ross Bleckner, used by kind permission of the artistDesign by Siggi Loch

Bill Laurance & Michael League - Where You Wish You WereJetzt erstmals als limitierte Oxblood-Vinyl-Edition erhältlich, nach einer langen Zeit der Nichtverfügbarkeit!Bill Laurance acoustic piano and voiceMichael League oud, fretless acoustic guitar bass, fret-less baritone electric guitar, ngoni and voice Man kann kaum über Michael League und Bill Laurance sprechen, ohne Snarky Puppy zu erwähnen. Der amerikanische Bassist und Multi-Instrumentalist Michael League gründete das weltweit gefeierte, vierfach GRAMMY-prämierte Kollektiv vor knapp 20 Jahren. Und fast genauso lang ist der britische Pianist und Keyboarder Bill Laurance Teil dieses globalen Abenteuers. Dass League und Laurance mit „Where You Wish You Were“ ihr erstes gemeinsames Duoalbum vorlegen, scheint überraschend und folgerichtig zugleich. Besonders mit Blick auf Michael League, der hier, anders als mit Snarky Puppy, vor allem an der Oud und anderen akustischen Saiteninstrumenten zu hören ist und betont: Wir sind so viel mehr, als der Teil der populärsten Band, der wir angehören.“ Und Bill Laurance fügt hinzu: "Ein gemeinsames Album war nur eine Frage der Zeit. Michael und ich sind seit 20 Jahren eng befreundet und haben in so vielen verschiedenen Bereichen zusammengearbeitet - mit Snarky Puppy, meiner eigenen Band und mit anderen Künstler:innen. Und so kennen wir einander in- und auswendig und es fühlt sich extrem natürlich an, zu zweit zu spielen.“ Anders als mit dem Großprojekt Snarky Puppy, welches jüngst unter anderem die Londoner Wembley Arena füllte, waren Laurance und League für das gemeinsame Duo schier besessen von der Idee der Reduktion. Die Aufnahmen boten eine lang ersehnte Gelegenheit, die Intimität, Zerbrechlichkeit und die Klarheit der Beziehung zwischen zwei Musikern zu erkunden. "Michael und ich wurden lange vor allem von der Idee angetrieben, Grenzen zu verschieben. Das ist wichtig, aber dieses Album ist anders." erinnert sich Laurance. "Jede einzelne kompositorische Idee hat ein großes Gewicht, und alles hat einen ganz bestimmten Zweck. Es gab keine Rhythmusgruppe, hinter der man sich verstecken konnte, es ging wirklich nur um Melodie und Harmonie. Und wir haben instinktiv versucht, einen Ort zu kreieren, an den die Hörer:innen gerne besuchen, der sich friedlich, sicher und warm anfühlt. Denn wir haben das Gefühl, dass es heute, vielleicht mehr denn je, ein Bedürfnis nach solchen Orten gibt." Was neben dem Duo-Format mit seinem reduzierten, konzentrierten Ansatz besonders überrascht, sind die klanglichen und stilistischen Zutaten der Musik. Bill Laurance, der sonst häufig auf eine Verbindung aus Piano und einer Vielzahl von Synthesizern und orchestralen Arrangements setzt, fokussiert sich hier auf den Sound des akustischen und nur mit etwas dämpfendem Filz präparierten Flügels. Und Michael League, sonst vor allem als von Jazz und Groove befeuerter E-Bassist bekannt, spielt hier eine Reihe von meist bundlosen Saiteninstrumenten mediterranen und orientalischen Ursprungs - allen voran die Oud, aber auch speziell für ihn konstruierte, akustische und elektrische Gitarren sowie die westafrikanische Laute „Ngoni“. Alles Instrumente mit einer gesanglichen Qualität und Möglichkeiten der Intonation, die weit über klassische westliche Vorstellungen von Intervallen und Harmonien hinaus gehen. Die musikalische Nähe zum mediterranen Raum begleitet Michael League seit seiner Kindheit und ist noch mehr geprägt durch seine heutige Wahlheimat Spanien: "Meine Familie ist griechischer Abstammung und mein Bruder ist ein Spezialist für griechische Volksmusik. Und so hielt ich zum ersten Mal eine Oud in der Hand, als ich als 14-Jähriger in dessen Zimmer schlich. In unserem Elternhaus spielte immer griechische und türkische Musik und in den letzten knapp zehn Jahren habe immer wieder die Türkei besucht, um mehr über die Musik der Region zu lernen. Ich liebe es, Oud zu spielen, aber da ich nie wirklich Unterricht genommen habe, ist meine Beziehung zu dem Instrument etwas unausgereift. Mein Oud-Mentor, der große armenisch-amerikanische Musiker Ara Dinkjian, hat jedoch darauf bestanden, dass ich meine Stimme auf dem Instrument ohne formale, traditionelle Studien weiterentwickle. Ihm gefällt die unkonventionelle Art, mit der ich es spiele - fast wie eine Blues-Slide-Gitarre. Und er ist gespannt darauf, zu sehen, was passiert, wenn ich diesen Weg weiterverfolge." Und so ist “Where You Wish You Were” kein World-Jazz-Fusion-Album geworden und war auch nie als solches angelegt. "Bill und ich sind uns darüber im Klaren, dass dieses Projekt nichts mit der Nachahmung regionaler, lange gewachsener Stile zu tun hat", betont League. "Wir wollen etwas schaffen, das einzigartig ist, auch wenn es bestimmte Elemente etablierter Musikgenres enthält." Und so ist es wie so oft in der musikalischen Welt, die man heute als „Jazz“ bezeichnet: Der Kosmos der persönlichen, musikalischen und klanglichen Einflüsse der beiden Musiker dienen nicht der Abgrenzung oder Kategorisierung, sondern vielmehr als Vokabular für einen eigenen, unverwechselbaren Ausdruck. Und es schafft mit seinen ganz auf Melodie, Harmonie und Raum fokussierten Kompositionen, seinem warmen Klang und dem beseelten Spiel der beiden Akteure einen Ort, an den man sich beim Hören nur allzu gerne hinträumt und immer wieder zurückkehrt. Credits: Produced by Bill Laurance and Michael League Cover art "Opus 18" by Nadia Attura

Jetzt erstmals als limitierte gelbe Vinyl-Edition erhältlich, nach einer langen Zeit der Nichtverfügbarkeit.  Wolfgang Haffner drums Christopher Dell vibraphone Jan Lundgren piano Dan Berglund bass Dusko Goykovich trumpet Jukka Perko alto saxophone Guests: Max Mutzke vocals Frank Chastenier piano Christian von Kaphengst bass Nils Landgren trombone James Dean und Marlon Brando waren die schillernden Leinwandhelden der 50er Jahre. Charakterdarsteller, Sexsymbole, lässige Exzentriker mit Hang zur Extravaganz. Vorbilder für die aufbegehrende Jugend: Der Inbegriff des Coolen. Ein neues Lebensgefühl machte sich in den im Wandel begriffenen USA breit. The Birth of the Cool passierte parallel auch im Jazz und wurde damit zum Soundtrack einer Generation. Miles Davis, John Lewis und das Modern Jazz Quartet, Dave Brubeck und auch Chet Baker (der „James Dean des Jazz“) gaben dem Jazz eine neue Richtung vor: Die Suche nach einer speziellen „coolen“ Atmosphäre, nach (Klang-)Farben und Raum im Jazz, basierend auf substanziellen Melodien, mit einer relaxten auf das Kollektiv abzielende Spielhaltung prägte die Musik. „Kühl“ aber war diese Musik nie, eher mit „kühlem Kopf“ erdacht und gespielt. Und genau dieses Feeling und Musikverständnis spricht auch Wolfgang Haffner aus dem Herzen und treibt seine Musik an. Produzent Siggi Loch lief also bei ihm offene Türen ein, als er ihm vorschlug, mit „Kind of Cool“ eine alte Lesart neu zu interpretieren und damit an die Ursprünge der Coolness im Jazz zu erinnern: „Meine erste Jazzplatte war ein Geschenk und zwar ‚Dave Brubeck live in Carnegie Hall‘. Ich habe mir dann gleich auch die Jazz Messengers und das Modern Jazz Quartet gekauft. Damit fing die Beschäftigung mit dem Jazz bei mir überhaupt erst an“, erinnert sich Haffner. Auch wenn der mit dem ECHO Jazz ausgezeichnete Schlagzeuger und mittlerweile einer von Deutschlands erfolgreichsten Jazz-Bandleadern seither mit der Crème de la Crème der internationalen Musikszene in nahezu allen Stilen bis hin zu Rock und Pop gespielt hat und an gut 400 Alben beteiligt war, so sind doch die Helden des Modern Jazz zwischen 1950 und 1960 sein Urgrund. „Ich würde mich selbst nicht als Cool-, oder Swing- oder Bebop-Drummer bezeichnen“, sagt Haffner. „Ich versuche, das jeweils Wesentliche zu finden. Aber die Time, die Melodik und die kompositorischen Konstruktionen des Cool, das ist meiner Musik wesensverwandt. Der Sound im Mittelpunkt, worum es mir auch immer geht.“ Drei Eckpfeiler bestimmen „Kind of Cool“: Erstens mussten Stücke vorkommen, die den Sound des Cool Jazz transportieren: „So What“ zum Beispiel, der Opener von “Kind of Blue”. Und „Django“, die vielleicht bekannteste Komposition von John Lewis, gleich für das erste Album seines Modern Jazz Quartet. Als zweites wurden stilübergreifende Standards ausgewählt, die sich für eine „coole“ Interpretation anboten. Die logischste Wahl war „Autumn Leaves“, das durch die Versionen von Cannonball Adderley mit Miles Davis 1958 und von Bill Evans von 1959 im Jazz berühmt wurde. Auch die Broadway-Ballade „My Funny Valentine“ aus dem Jahr 1937 wurde durch die Einspielungen von Chet Baker und Miles Davis zu einem Standard des Modern Jazz. Und als eine der „coolsten“ Nummern des Kansas-City Sounds von Count Basie kann Billy Eckstines „Piano Man“ gelten, den die beiden 1959 einspielten. Als drittes schließlich steuerte Wolfgang Haffner drei eigene Kompositionen bei, die dieses Programm abrunden. „Wenn man das wie damals nachzuspielen versucht, kann man nur verlieren“, erläutert Haffner. „Keiner braucht ein zweites ‚Kind of Blue‘. Der Clou von „Kind of Cool“ ist, die für ihren „coolen“ Ausdruck berühmt berüchtigten Koryphäen mit ihrer jeweils anderen Charakteristik zu konfrontieren und auf einen modernen Nenner zu bringen: Davis‘ „So What“ etwa wird durch das Vibrafon in die Klangfärbung des Modern Jazz Quartet getaucht, umgekehrt erhält das strenge Quartettstück „Django“ hier nun die Dynamik und den ätherischen Glanz der Bläser. Die meist opulent mit Dynamik und verschiedenen Sounds und Rhythmen arbeitenden Kompositionen des großen Melodikers Haffner erscheinen hier nun in einem nüchternen, klassischen Licht. „Kind of Cool“ ist vom typischen Haffner-Feel durchdrungen, das die Musik organisch und natürlich fließen lässt. Eine veritable All-Star-Band steht Haffner für „Kind of Cool“ zur Seite. Kaum ein anderer hätte das Anforderungsprofil besser erfüllen können als Dusko Goykovich. Der mittlerweile 83-jährige und mit dem ECHO Jazz für sein Lebenswerk ausgezeichnete Trompeter hat mit den Vätern des Cool und Modern Jazz wie Miles Davis, Art Blakey oder Chet Baker noch selbst gespielt. Als ideal für das Unternehmen darf man auch den Pianisten Jan Lundgren bezeichnen, dank seiner profunden Kenntnisse des Great American Songbook wie der Klassik; aber auch dank seines klaren Anschlags, seinen intelligenten Phrasierungen und seines außergewöhnlichen Timings. Eine besondere Rolle kommt bei „Kind of Cool“ dem Vibrafon zu, war es doch unter den Mallets von Milt Jackson eine prägende Farbe des Modern Jazz Quartet. Christopher Dell, der virtuose, avantgardistische Alleskönner unter den Vibrafonisten meistert die Aufgabe mit Bravour. Sozusagen in die Rolle von Paul Desmond schlüpft der finnische Saxofonist Jukka Perko. e.s.t.-Bassist Dan Berglund sorgt neben Haffner für den entspannten Groove. Den für „Piano Man“ erwünschten Gesangspart übernimmt mit Max Mutzke ein wahrer Soulman: „Er hat das Stück überhaupt nicht gekannt, aber am Ende nahmen wir den ersten Take, der war aus dem Stand perfekt“, erzählt Haffner. Jazz ist „cool“ damals wie heute.Credits:Recorded by Arne Schumann on August 14 & 15, 2014 at Hansa Studio, Berlin. Recording Assistant: Jonas Zadow “Piano Man“ recorded by Philip Krause on July 15, 2014 at Emil-Berliner-Studio, Berlin Mixed by Arne Schumann @ Schumann & Bach Mastered by Peter Heider at Purecuts Cover art (detail) by Gert & Uwe Tobias, by permission of the artists

Peter Somuah: Walking Distance CD / Vinyl (LP, 180g) / digital  Peter Somuah trumpet, flugelhorn                    Anton de Bruin rhodes, organ, keys Jens Meijer drumsMarijn van de Ven bassDanny Rombout percussion Heleen Vellekoop flute on #2Nia Ralinova cello on #2, 3 Spätestens seit der Veröffentlichung seines ACT-Debüts Letter to the Universe (2023) und dem Nachfolger Highlife (2024) hat sich der aus Ghana stammende und aktuell in Rotterdam lebende Trompeter Peter Somuah als Brückenbauer zwischen Kulturen und Kontinenten etabliert. “Jazz als Weltsprache.”, nennt es die Süddeutsche Zeitung. Für Peter Somuah sind musikalische Einflüsse geografisch weit auseinander liegender Kulturen immer nur einen Schritt weit voneinander entfernt. Darum, und um die integrative Kraft dieser Idee, geht es in seinem neuen Album Walking Distance.Alles auf dem Album dreht sich um das Erforschen von Gemeinsamkeiten. Walking Distance ist eine Reise durch unterschiedlichste Genres, die trotz ihrer Verschiedenheit tief miteinander verbunden sind. Peter Somuah vereint Elemente des Post-Bop-Jazz mit arabischer Musik, lateinamerikanische Grooves, Blues, und Funk verschmelzen mit Einflüssen aus Ghana. So entsteht eine hörbare Repräsentation von Somuah’s Überzeugung, dass all diese Kulturen und Einflüsse buchstäblich nur einen Spaziergang voneiander entfernt sind. Mithilfe dieser breit gefächerten Einflüsse erzählen die Stücke des Albums von alltäglichen Erfahrungen: vom Unterwegssein im Trubel des Lebens, vom Losgehen und Ankommen, von universellen Handlungen, die alle Menschen verbinden. Dieses „Erzählen“ erweist sich auf Walking Distance – wie bereits auf den Vorgängeralben – als eine der großen Stärken Peter Somuahs. Mit mal strahlendem, mal brüchigem Ton nimmt er die Hörer*innen mit auf seinen ganz persönlichen Weg: aus Ghanas Hauptstadt Accra mit ihrer vitalen Highlife-Szene über Stationen in Asien bis nach Europa. Getragen wird die Musik von den luftigen Grooves von Somuahs multinationaler Band, die er in Rotterdam zusammengestellt hat. Auch sie verkörpert die Offenheit ihres Leaders: den Glauben daran, dass alle Musiker*innen – unabhängig von ihrer Herkunft – in der Lage sind, jede Musik der Welt zu spielen, wenn sie deren Vokabular und Geschichte aufmerksam und respektvoll durchdringen. Peter Somuah erläutert: „Ich möchte, dass sich die Hörerinnen und Hörer zugleich geerdet und inspiriert fühlen, sich durch die Musik wieder mit sich selbst und der Welt um sie herum verbinden. Walking Distance steht für meine Suche zwischen Tradition und Innovation. Es ist die Geschichte einer Erkundung der Räume zwischen den Welten, dem Finden von Gemeinsamkeiten in der Vielfalt und davon, Musik als Brücke zu nutzen, um uns alle einander wieder ein Stück näherzubringen.“ Die Art, auf die der 29-Jährige dies tut, ist ein Spiegel seiner Persönlichkeit: Souverän, gelassen, aufrichtig, furchtlos - und immer mit einem Lächeln. CreditsRecorded between 25 and 27 August 2025 at The Womb Studios, The Hague, NetherlandsRecorded by Tijmen van WageningenMixed by Anton de BruinMastered by Stuart HawkesProduced by Peter Somuah, Anton de BruinComposed by Peter Somuah

Mammal Hands: Circadia CD / Vinyl (LP, 180g) / Limited transparent vinyl (LP, 180g) / digital  Nick Smart pianoJordan Smart saxophoneRob Turner drums Mammal Hands stehen an der Spitze einer neuen Generation britischer Musiker*innen, für die Jazz vor allem Ausgangspunkt für einen neuen, eigenen Ausdruck ist. Das Trio rund um die Brüder Nick Smart (Piano) und Jordan Smart (Saxofon) verbindet zeitgenössischen europäischen Jazz mit von Rock und Electronica geprägten Rhythmen sowie cineastischen Klanglandschaften – und erreicht damit ein internationales Publikum weit über Genregrenzen hinaus.Das sechste Album Circadia markiert in mehrerer Hinsicht einen Wendepunkt: Es ist die erste Veröffentlichung der Band auf ACT was, wie die Musiker selbst sagen, eine neue Dimension von Sichtbarkeit und künstlerischer Freiheit eröffnet. Und es ist das erste Album mit neuem Schlagzeuger – Rob Turner, dem langjährigen Motor der britischen Jazz-Erfolgsgeschichte GoGo Penguin. Der Wechsel in der Besetzung war Anstoß für Nick und Jordan Smart, den Kern der Band neu zu definieren. „Wir kennen Rob seit über einem Jahrzehnt“, sagt Nick. „Wir stammen aus derselben Szene und teilen musikalische Instinkte. Mit ihm konnten wir die Seele unserer Musik neu freilegen und weiterentwickeln.“ Nach einer gemeinsamen Tour reifte die Entscheidung, ein Album aufzunehmen. „Wir haben unterwegs viel gesprochen – über Musik und über das Leben“, sagt Jordan. „Die neuen Stücke entstanden aus offenen Skizzen und basierten auf unseren Grundprinzipien: Improvisation, Intensität im Moment und ein starkes gemeinsames Timing.“ Nach der Tour zog sich das Trio für Probesessions in das Briggs Building im Osten Londons zurück. Dort entwickelten sie ihren seit dem Debüt Animalia (2012) charakteristischen, melodisch-hypnotischen Sound weiter und luden ihn mit neuer Energie auf. „Jordan und ich kommen stark aus der elektronischen Musik, Rob eher aus einer offenen, fast spirituellen Improvisationshaltung“, so Nick. „Die Arbeit war geprägt von Gleichberechtigung, Empathie und dem Erzählen von Geschichten.“Das Ergebnis sind die neun eindringlichen Stücke von Circadia: vom melodisch-dichten Opener „Window To Your World“ über die fließenden Harmonien von „Paper Boats“ und das spannungsgeladene von „Alia’s Abandon“ bis zum dunklen „Submerge“. Das Album schlägt eine Brücke zurück zum vertrauten Mammal-Hands-Sound und öffnet zugleich neue klangliche Räume. „Nicks Synth-Bass und Robs Schlagzeug haben eine neue rhythmische Basis geschaffen, die das ganze Album trägt“, sagt Jordan. „Wir fühlten uns frei, Grenzen zu verschieben und stärker mit elektronischen, beat-orientierten Texturen zu arbeiten – als würden all unsere bisherigen Erfahrungen in Mammal Hands zusammenfinden.“Diese zyklische Entwicklung, die dem Album seinen Titel gibt, spiegelt sich auch im Labelwechsel von Gondwana Records zu ACT wider. „Das Esbjörn Svensson Trio war ein großer Einfluss für mich“, sagt Rob. „Bei ACT zu veröffentlichen fühlt sich wie Heimkommen und Neuanfang zugleich an.“ Auch für Nick und Jordan bedeutet der Wechsel kreative Freiheit: „Es gab keine Vorgaben, keinen Ballast“, so Jordan. „Es ist wie ein offener Raum – für uns und für die Zuhörer*innen.“ Frei fließend und zugleich geerdet: Circadia markiert den Beginn eines neuen Kapitels in der Geschichte von Mammal Hands. CreditsRecorded March 20th to March 24th 2025 at Giant Wafer Studios, WalesRecorded by Ben CappMixed by Ben Capp Mastered by Shawn JosephComposed by Mammal HandsProduced by Mammal Hands and Ben CappCover Art by Cecily Eno

Limitierte Testpressungen des Albums von Peter Somuah.Album: Walking DistanceVÖ: 13.03.2026Ein seltenes Sammlerstück: Eine Testpressung ist die erste Probeplatte eines Albums und dient der Qualitätskontrolle vor der finalen Pressung. Sie entspricht klanglich nicht immer exakt der späteren Veröffentlichung, was sie jedoch zu einem besonderen Sammlerstück mit eigener Geschichte macht. Jede Testpressung ist eine Limited Edition – ideal für Sammler:innen und alle, die Jazz-Vinyl, Raritäten und exklusive Ausgaben schätzen. In Ihrem ACT-Testpressungspaket enthalten sind: 1 Bio-Vinyl-Testpressung in der originalen weißen Schutzhülle.Eine schön gestaltete Karte mit handgeschriebenen Schlüsseldetails zur Veröffentlichung, wie Künstlernamen, Albumtitel, Produktionsjahr und Anzahl der Testpressungen. Album-Booklet im PDF-Format. Dieses enthält einen umfassenden Einblick in das Album mit dem Cover-Artwork, einem sorgfältig verfassten Text über das Album, der Tracklist, vollständigen Produktions- und Performance-Credits sowie Details zur Instrumentierung.Echtheitszertifikat der Testpressung. Dieses Zertifikat bestätigt die Echtheit der Testpressung, die im Rahmen des Qualitätskontrollprozesses vor der finalen Vinylpressung hergestellt wurde. Testpressungen werden nur in begrenzter Stückzahl produziert, um höchste Klangtreue und Fertigungsqualität zu gewährleisten. Jede Testpressung wird sorgfältig geprüft und von unserem Team freigegeben, bevor die Produktion fortgesetzt wird. Dieses Dokument dient als Nachweis für ihre Authentizität und Einzigartigkeit. Zur offiziellen Bestätigung trägt dieses Zertifikat den Firmenstempel. Hinweis: Eine Testpressung ist eine Vorabversion der Vinylplatte, die zur Überprüfung der Pressqualität vor der Serienproduktion verwendet wird. Die Audioqualität kann leicht von der finalen Version abweichen und kleine Unregelmäßigkeiten aufweisen, die Teil des Testprozesses sind. Sie besitzt historischen Wert als Bestandteil des Produktionsprozesses.