Viktoria Tolstoy & Jacob Karlzon: Who We AreCD / Vinyl / digital  Viktoria Tolstoy vocalsJacob Karlzon piano, keyboards, programming Wenn zwei musikalische Weggefährten und Freunde nach fast drei Jahrzehnten Zusammenarbeit ein Album mit dem Titel Who We Are veröffentlichen, ist das mehr als ein Name – es ist ein Statement. Die Sängerin Viktoria Tolstoy und der Pianist und Keyboarder Jacob Karlzon legen mit diesem Album eine Art musikalisches Selbstporträt vor: die Summe aus gemeinsamen Erfahrungen, gegenseitigem Vertrauen und einer künstlerischen Sprache, die nur entstehen kann, wenn zwei Menschen über Jahre hinweg auf derselben Frequenz schwingen. Die gemeinsame Reise von Viktoria Tolstoy und Jacob Karlzon begann Mitte der 1990er-Jahre während einer UK-Tour Tolstoys. Seitdem haben sie immer wieder miteinander gespielt und sechs Alben aufgenommen, zuletzt: Letter To Herbie im Jahr 2011 – eine Verneigung vor dem gemeinsamen Idol Herbie Hancock – und A Moment of Now 2013 – ihre erste, vielbeachtete Duo-Einspielung.Durch die enge, jahrzehntelange Zusammenarbeit sind Viktoria Tolstoy und Jacob Karlzon heute an einem Punkt angekommen, an dem sie ihre Geschichte nicht mehr neu erfinden müssen – sie müssen sie nur erzählen. Tolstoy beschreibt das Zusammenspiel als eine Mischung aus Freiheit und Geborgenheit: „Was wir im Duo machen, ist wirklich anspruchsvoll – aber es fühlt sich leicht an. Jacob spricht meine Sprache komplett, wir folgen einander auf eine magische Art.“ Diese starke Verbindung macht es dem Duo möglich, im Studio wie auf der Bühne permanent Neues zu riskieren – ein entscheidender Teil dessen, wer sie sind. Karlzon erlebt diese Verbindung ähnlich: „Zwischen Viktoria und mir gibt es keine Trennung zwischen Solist und Begleiter, wir sind einfach zwei Seelenverwandte auf Augenhöhe.“ Diese enge Kommunikation ist das Fundament des Albums – und vielleicht die präziseste Antwort auf den Titel: Who We Are ist ein Zustand. Ein Einverständnis. Ein musikalisches Wir. Ein zentrales Bild, das Karlzon formuliert, bringt diese Identität besonders klar zum Ausdruck: Die Songwriter, deren Stücke das Duo interpretiert – Billy Joel, Tori Amos, Thom Yorke –, singen und spielen oft gleichzeitig Klavier. „In gewisser Weise versuchen wir genau das – nur zu zweit. Zwei Menschen, ein musikalischer Organismus.“ Diese Vorstellung – ein zweistimmiger, aber gemeinsamer Ausdruck – zieht sich als roter Faden durch die Produktion. Who We Are klingt oft größer als ein Duo, weil Tolstoys soul-getränkter Jazzgesang und Karlzons energetisches, harmonisch weit ausschwingendes Spiel sich nicht ergänzen, sondern verschmelzen. Neben sehr eigenen Versionen der Stücke ikonischer Songwriter enthält Who We Are auch eine Reihe von Eigenkompositionen von Jacob Karlzon, der hier nicht nur die Musik, sondern zum ersten Mal auch alle Texte beisteuerte. Tolstoy war das ein überraschender, ja berührender Schritt: „Nach der Musik landeten plötzlich Song für Song Texte in mein Postfach – und ich war sprachlos, wie gut diese waren.“ Karlzon beschreibt das Schreiben als eine Rückkehr zu dem, was für ihn den Kern von Kunst ausmacht: nicht Konzept oder Verkaufbarkeit, sondern Wahrhaftigkeit. Die Texte spiegeln persönliche Erlebnisse ebenso wie Beobachtungen – ein Patchwork, das dennoch eine klare Haltung trägt. Tolstoy wiederum macht diese Lieder zu ihren eigenen Geschichten. Weil sie Karlzon so gut kennt, wie sie sagt: „Ich fühle die Worte. Ich weiß, woher sie kommen.“Who We Are ist ein reifes, warmes, in sich ruhendes Album zweier Künstler, die einander in ihrer ganzen Komplexität kennen – und darin eine Form von Freiheit gefunden haben, die selten geworden ist. Ein Werk, das nicht erklärt, wer sie sein möchten, sondern wer sie wirklich sind. CreditsRecorded at Musikaliska Kvarteret, Stockholm, August 25 & 26, 2025, by Lars NilssonAdditional recordings at ChassRoomMixed and mastered at Nilento Studio by Lars NilssonNilento team: Lars Nilsson, Michael Dalvid, and Jenny NilssonProduced by Jacob Karlzon & Lars NilssonJacob Karlzon is a Steinway Artist

Limitierte Testpressung des Albums von Bill Laurance und The Untold Orchestra: Bloom (2024)Ein seltenes Sammlerstück: Eine Testpressung ist die erste Probeplatte eines Albums und dient der Qualitätskontrolle vor der finalen Pressung. Sie entspricht klanglich nicht immer exakt der späteren Veröffentlichung, was sie jedoch zu einem besonderen Sammlerstück mit eigener Geschichte macht. Jede Testpressung ist eine Limited Edition – ideal für Sammler:innen und alle, die Jazz-Vinyl, Raritäten und exklusive Ausgaben schätzen.Unser Vinyl Testpressung-Paket beinhaltet:1 Bio-Vinyl-Testpressung in der originalen weißen Schutzhülle. Eine schön gestaltete Karte mit handgeschriebenen Schlüsseldetails zur Veröffentlichung, wie Künstlernamen, Albumtitel, Produktionsjahr und Anzahl der Testpressungen. Album-Booklet im PDF-Format. Dieses enthält einen umfassenden Einblick in das Album mit dem Cover-Artwork, einem Text über das Album, der Tracklist, vollständigen Produktions- und Performance-Credits sowie Details zur Instrumentierung. Echtheitszertifikat der Testpressung Dieses Zertifikat bestätigt die Echtheit der Testpressung, die im Rahmen des Qualitätskontrollprozesses vor der finalen Vinylpressung hergestellt wurde. Testpressungen werden nur in begrenzter Stückzahl produziert, um höchste Klangtreue und Fertigungsqualität zu gewährleisten. Jede Testpressung wird sorgfältig geprüft und von unserem Team freigegeben, bevor die Produktion fortgesetzt wird. Dieses Dokument dient als Nachweis für ihre Authentizität und Einzigartigkeit. Zur offiziellen Bestätigung trägt dieses Zertifikat den Firmenstempel. Hinweis: Eine Testpressung ist eine Vorabversion der Vinylplatte, die zur Überprüfung der Pressqualität vor der Serienproduktion verwendet wird. Die Audioqualität kann leicht von der finalen Version abweichen und kleine Unregelmäßigkeiten aufweisen, die Teil des Testprozesses sind. Sie besitzt historischen Wert als Bestandteil des Produktionsprozesses.

Limitierte Testpressung des Albums von Wolfgang Haffner: Silent World (2023)+ Art Card handsigniert von Wolfgang Haffnernur eine Testpressung ist erhältlich!Ein seltenes Sammlerstück: Eine Testpressung ist die erste Probeplatte eines Albums und dient der Qualitätskontrolle vor der finalen Pressung. Sie entspricht klanglich nicht immer exakt der späteren Veröffentlichung, was sie jedoch zu einem besonderen Sammlerstück mit eigener Geschichte macht. Jede Testpressung ist eine Limited Edition – ideal für Sammler:innen und alle, die Jazz-Vinyl, Raritäten und exklusive Ausgaben schätzen.Unser Vinyl Testpressung-Paket beinhaltet:1 Bio-Vinyl-Testpressung in der originalen weißen Schutzhülle. Eine schön gestaltete Karte mit handgeschriebenen Schlüsseldetails zur Veröffentlichung, wie Künstlernamen, Albumtitel, Produktionsjahr und Anzahl der Testpressungen. Album-Booklet im PDF-Format. Dieses enthält einen umfassenden Einblick in das Album mit dem Cover-Artwork, einem Text über das Album, der Tracklist, vollständigen Produktions- und Performance-Credits sowie Details zur Instrumentierung. Echtheitszertifikat der Testpressung Dieses Zertifikat bestätigt die Echtheit der Testpressung, die im Rahmen des Qualitätskontrollprozesses vor der finalen Vinylpressung hergestellt wurde. Testpressungen werden nur in begrenzter Stückzahl produziert, um höchste Klangtreue und Fertigungsqualität zu gewährleisten. Jede Testpressung wird sorgfältig geprüft und von unserem Team freigegeben, bevor die Produktion fortgesetzt wird. Dieses Dokument dient als Nachweis für ihre Authentizität und Einzigartigkeit. Zur offiziellen Bestätigung trägt dieses Zertifikat den Firmenstempel. Hinweis: Eine Testpressung ist eine Vorabversion der Vinylplatte, die zur Überprüfung der Pressqualität vor der Serienproduktion verwendet wird. Die Audioqualität kann leicht von der finalen Version abweichen und kleine Unregelmäßigkeiten aufweisen, die Teil des Testprozesses sind. Sie besitzt historischen Wert als Bestandteil des Produktionsprozesses.

Aus ACT Archiv: Limitierte Testpressung des Albums von Jakob Manz: The Answer (2024) Ein seltenes Sammlerstück: Eine Testpressung ist die erste Probeplatte eines Albums und dient der Qualitätskontrolle vor der finalen Pressung. Sie entspricht klanglich nicht immer exakt der späteren Veröffentlichung, was sie jedoch zu einem besonderen Sammlerstück mit eigener Geschichte macht. Jede Testpressung ist eine Limited Edition – ideal für Sammler:innen und alle, die Jazz-Vinyl, Raritäten und exklusive Ausgaben schätzen. Unser Vinyl Testpressung-Paket beinhaltet:1 Bio-Vinyl-Testpressung in der originalen weißen Schutzhülle. Eine schön gestaltete Karte mit handgeschriebenen Schlüsseldetails zur Veröffentlichung, wie Künstlernamen, Albumtitel, Produktionsjahr und Anzahl der Testpressungen. Album-Booklet im PDF-Format. Dieses enthält einen umfassenden Einblick in das Album mit dem Cover-Artwork, einem Text über das Album, der Tracklist, vollständigen Produktions- und Performance-Credits sowie Details zur Instrumentierung. Echtheitszertifikat der Testpressung Dieses Zertifikat bestätigt die Echtheit der Testpressung, die im Rahmen des Qualitätskontrollprozesses vor der finalen Vinylpressung hergestellt wurde. Testpressungen werden nur in begrenzter Stückzahl produziert, um höchste Klangtreue und Fertigungsqualität zu gewährleisten. Jede Testpressung wird sorgfältig geprüft und von unserem Team freigegeben, bevor die Produktion fortgesetzt wird. Dieses Dokument dient als Nachweis für ihre Authentizität und Einzigartigkeit. Zur offiziellen Bestätigung trägt dieses Zertifikat den Firmenstempel. Hinweis: Eine Testpressung ist eine Vorabversion der Vinylplatte, die zur Überprüfung der Pressqualität vor der Serienproduktion verwendet wird. Die Audioqualität kann leicht von der finalen Version abweichen und kleine Unregelmäßigkeiten aufweisen, die Teil des Testprozesses sind. Sie besitzt historischen Wert als Bestandteil des Produktionsprozesses.

Aus ACT ArchivSigned Edition: Nils Landgren - Funky AbbaEin außergewöhnliches Sammlerstück für alle Fans von Nils Landgren und Nils Landgren Funk Unit!Es handelt sich um ein Doppel-Vinyl-Album. Das Album „Funky ABBA“ von der Nils Landgren Funk Unit wurde ursprünglich am 29. März 2004 auf CD veröffentlicht und später, im Jahr 2021, passend zum ABBA-Comeback als limitierte, remasterte Vinyl-Edition neu aufgelegt.Diese letzte verfügbare Kopie der originalen Erstauflage von Funky Abba ist ein echtes Unikat. Die LP ist handsigniert von Nils Landgren selbst und war seit langem komplett ausverkauft – nur dieses Exemplar stammt direkt aus dem ACT Archiv.Ein Muss für Vinyl-Sammler:innen und alle, die sich ein Stück ACT-Geschichte sichern möchten. Diese letzte Kopie der originalen Erstauflage ist nicht nur ein rares Sammlerstück – sie erzählt auch ein Stück der Karriere von Nils Landgren, dem „Man with the Red Horn“, der seit Jahrzehnten zu den prägendsten Künstler:innen des europäischen Jazz gehört.Durch den Weg zwischen Archiv, Künstler und zurück wurde die Kastentasche mehrfach in die Hand genommen – dabei sind dezente Gebrauchsspuren entstanden, die den authentischen Weg dieses signierten Exemplars nur noch besonderer machen.Nils Landgren - Funky ABBACD / 2-LP / digital Nils Landgren trombone and vocals Magnum Coltrane Price vocals, microphone poetry and additional synthesizers Henrik Janson guitar Jesper Nordenström keyboards Roberto Di Gioia keyboards Lars DK Danielsson Fender bass Wolfgang Haffner all drums & backing vocals on SOS Per Lindvall drums on #7, #11 Karl-Martin Almqvist tenor saxophone Special Guests: Till Brönner trumpet and additional horn arrangement on #2 Sharon Dyall vocals on #3, #7 Viktoria Tolstoy vocals on #6, #12 Alex Papaconstantinou bouzouki on #3 Nimo co-flow on #8 Very Special Guest: Benny Andersson piano on #12 Nils Landgren gehört nicht nur „längst zur Spitzenklasse der europäischen Jazzposaunisten“ (Spiegel), sondern ist außerdem einer der vielseitigsten Künstler, die sich derzeit in der europäischen Jazzszene finden lassen: „Ein musikalischer Enzyklopädist“ (FAZ), ein „Flexibilitätswunder“ (Jazzthetik), dessen Interessen und Begabungen weit gestreut sind: Ob der Mann mit der rot-lackierten Posaune frenetisch umjubelte Konzerte mit seiner groovigen Funk Unit gibt, als Sänger „hypnotischen Charme“ (FAZ) entfaltet, sich im intimen Zusammenspiel mit Esbjörn Svensson der Bearbeitung schwedischer Folksongs widmet, kichenmusikalische Kammermusik oder Big Band-Jazz zelebriert – immer spiegeln sich darin die verschiedenen Seiten derselben Persönlichkeit. Nach fast zwei Jahren selbstverordneter „Funk-Stille“, in denen Nils Landgren vornehmlich als Balladensänger und Produzent mit Sentimental Journey (ACT 9409-2) und Rigmor Gustafssons Album I Will Wait For You (ACT 9418-2) beschäftigt war, widmet sich Mr. Red Horn nun wieder mit voller Kraft und Energie seiner Funk Unit, die ganz unbestritten „zu den besten Funk-Bands Europas“ (Stereo) zählt. Gemeinsam mit seiner „groovenden Truppe, die junge Leute zu Tanz-Ekstasen animiert und die auch von ergrauten Jazz-Snobs ernst genommen wird“ (Spiegel), legt Nils - genau 30 Jahre nach dem internationalen Durchbruch von ABBA beim Grand Prix d’Eurovision de la Chanson - eine ganz persönliche Hommage an eine der größten Pop-Bands der Geschichte vor. FUNKY ABBA heißt das neue Album – und Nils darf es so nennen, denn seine Freundschaft mit Benny Andersson reicht lange zurück. 25 Jahre ist es jetzt her, dass Benny den blutjungen Nils bat, ihn ins Studio zu begleiten, um den ABBA-Song „Voulez-Vous“ mit seinem unverwechselbaren Posaunensound zu unterstützen... Diesmal war es übrigens andersherum: Benny hat es sich nicht nehmen lassen, zumindest auf einem Track von FUNKY ABBA selbst mitzuspielen! Aber lassen wir Nils Landgren selbst zu Wort kommen: „Als ich Benny Andersson zum ersten Mal von meinem neuen Projekt erzählte und ihn um seinen Segen für ein Album mit dem Titel FUNKY ABBA bat, da fragte er nur: ‚FUNKY ABBA - ist das denn möglich?’ ‚Ich denke schon’, antwortete ich. ‚OK, dann mach es!’, meinte Benny mit einem Lächeln auf den Lippen und ich stürzte mich in die Arbeit. Der Tatort des Geschehens stand schnell fest: Um sich von den richtigen Schwingungen inspirieren zu lassen, buchten wir das legendäre Polar Studio A, in dem einst alle ABBA Songs entstanden sind. Ich sage es euch, diese alten Mauern haben nichts vergessen von all den großartigen Sachen, die hier einmal produziert worden sind! Was für eine Herausforderung für uns! Björn und Benny - danke euch für all diese großartigen Songs! Ob es uns gelungen ist, sie funky klingen zu lassen, entscheidet ihr alle, unsere Freunde da draußen. Versprecht mir nur eins: Habt Spaß dabei – wir hatten ganz sicher welchen!“Credits: Recorded by Stefan Boman at Polar Studio A at Stockholm, September 1 - 4, 2003 Additional recording by Magnum Coltrane Price at Budzilla Studios Mixed by Stefan Boman with MCP, Nils Landgren and Bo Reimers at Polar Studios, October 23 - 27, November 11 and 17, 2003 Mastered by Klaus Scheuermann Produced by Nils Landgren & Magnum Coltrane Price

Aus ACT ArchivSigned Edition: Christmas With My Friends – The Jubilee Collection (5-LP) Ein außergewöhnliches Sammlerstück für alle Fans von Nils Landgren und seiner legendären Christmas with my friends-Reihe!Erscheinungsdatum: 28.10.2016 Diese letzte verfügbare Kopie der originalen Erstauflage ist ein echtes Unikat. Die hochwertige Box aus dem Jahr 2016 war seit Langem vollständig ausverkauft – nur dieses Exemplar stammt direkt aus dem ACT Archiv.Das Booklet der Edition ist zudem persönlich von Nils Landgren handsigniert.  Diese Vinyl-Box taucht selbst im internationalen Sammlerhandel nur in wenigen Exemplaren auf. Umso besonderer ist diese Gelegenheit für Sammler:innen und treue Fans, sich ein einzigartiges Stück ACT-Geschichte zu sichern. Ein absolutes Highlight für Vinyl-Sammler:innen – und für alle, die die Musik und Karriere von Nils Landgren, dem „Man with the Red Horn“ und einer der prägendsten Künstler:innen des europäischen Jazz, schätzen. „Christmas With My Friends“ Jubilee CollectionFünf Originalalben in einer limitierten Edition, präsentiert in einer hochwertigen Box. Die Jubilee Collection vereint die Originalalben Christmas With My Friends I–V, verpackt in einem edlen Schuber und ergänzt durch ein Booklet im LP-Format. Limitierte Auflage. Nils Landgren trombone & vocals Sharon Dyall, Jeanette Köhn & Jessica Pilnäs vocals Ida Sand vocals & piano Jonas Knutsson saxophone Johan Norberg guitar Eva Kruse bass Christmas With My Friends I with Viktoria Tolstoy, Lars Danielsson, Ulf Wakenius, Bugge Wesseltoft Anders Bromander & Walter Brolund Trombone Choir

Aus dem ACT Archiv: Die Testpressung des Albums von Lars Danielsson und Leszek Mozdzer aus dem Jahr 2022.Nur 1 Testpressung ist erhältlich und sie ist signiert von Lars Danielsson. Ein seltenes Sammlerstück!Album: PasodobleVÖ: 18.11.2022Eine Testpressung ist die erste Probeplatte eines Albums und dient der Qualitätskontrolle vor der finalen Pressung. Sie entspricht klanglich nicht immer exakt der späteren Veröffentlichung, was sie jedoch zu einem besonderen Sammlerstück mit eigener Geschichte macht. Jede Testpressung ist eine Limited Edition – ideal für Sammler:innen und alle, die Jazz-Vinyl, Raritäten und exklusive Ausgaben schätzen. In Ihrem ACT-Testpressungspaket enthalten sind: 2 Vinyl-Testpressungen in der originalen weißen Schutzhülle. Die Hülle ist signiert von Lars Danielsson.Eine schön gestaltete Karte mit handgeschriebenen Schlüsseldetails zur Veröffentlichung, wie Künstlernamen, Albumtitel, Produktionsjahr und Anzahl der Testpressungen. Album-Booklet im PDF-Format. Dieses enthält einen umfassenden Einblick in das Album mit dem Cover-Artwork, einem sorgfältig verfassten Text über das Album, der Tracklist, vollständigen Produktions- und Performance-Credits sowie Details zur Instrumentierung.Echtheitszertifikat der Testpressung. Dieses Zertifikat bestätigt die Echtheit der Testpressung, die im Rahmen des Qualitätskontrollprozesses vor der finalen Vinylpressung hergestellt wurde. Testpressungen werden nur in begrenzter Stückzahl produziert, um höchste Klangtreue und Fertigungsqualität zu gewährleisten. Jede Testpressung wird sorgfältig geprüft und von unserem Team freigegeben, bevor die Produktion fortgesetzt wird. Dieses Dokument dient als Nachweis für ihre Authentizität und Einzigartigkeit. Zur offiziellen Bestätigung trägt dieses Zertifikat den Firmenstempel. Hinweis: Eine Testpressung ist eine Vorabversion der Vinylplatte, die zur Überprüfung der Pressqualität vor der Serienproduktion verwendet wird. Die Audioqualität kann leicht von der finalen Version abweichen und kleine Unregelmäßigkeiten aufweisen, die Teil des Testprozesses sind. Sie besitzt historischen Wert als Bestandteil des Produktionsprozesses.

Aus ACT ArchivSigned Edition: Nils Landgren - Funk is my ReligionEin außergewöhnliches Sammlerstück für alle Fans von Nils Landgren und Nils Landgren Funk Unit! Diese letzte verfügbare Kopie der originalen Erstauflage von Funk Is My Religion ist ein echtes Unikat. Die LP ist handsigniert von Nils Landgren selbst und war seit langem komplett ausverkauft – nur dieses Exemplar stammt direkt aus dem ACT Archiv. Das Album Funk Is My Religion von Nils Landgren Funk Unit wurde hauptsächlich am 28. Mai 2021 veröffentlicht.Ein Muss für Vinyl-Sammler:innen und alle, die sich ein Stück ACT-Geschichte sichern möchten. Diese letzte Kopie der originalen Erstauflage ist nicht nur ein rares Sammlerstück – sie erzählt auch ein Stück der Karriere von Nils Landgren, dem „Man with the Red Horn“, der seit Jahrzehnten zu den prägendsten Künstler:innen des europäischen Jazz gehört.Durch den Weg zwischen Archiv, Künstler und zurück wurde die Kastentasche mehrfach in die Hand genommen – dabei sind dezente Gebrauchsspuren entstanden, die den authentischen Weg dieses signierten Exemplars nur noch besonderer machen.Nils Landgren - Funk is my ReligionCD / Vinyl / digital Nils Landgren trombone &vocals Magnum Coltrane Price bass, vocals & additional keyboards Jonas Wall tenor saxophone & vocals Andy Pfeiler guitar &; vocals Petter Bergander keyboards & vocals Robert Ikiz drums Als Nils Landgren 1994 mit seiner Funk Unit an den Start ging, war von vielen die Frage zu hören: Wer braucht schon Funk aus Schweden? Heute, 17 Jahre, zehn Alben und hunderte von Konzerten später, fragt das niemand mehr. Weil die Antwort klar ist: Wer die heißeste europäische Version dieser unauflösbar mit Soul, Rhythm and Blues und Jazz verbundenen Musik hören will, der kommt an dieser Band nicht vorbei. Selbst die Pioniere, Godfathers und Granden der Szene ließen sich überzeugen: Ob James Browns musikalische Masterminds Maceo Parker und Fred Wesley, ob Ray Parker jr. und Joe Sample von den Crusaders, sie alle machten schon bei der Funk Unit mit. Und die Mission ist noch lange nicht zu Ende. Auch die Pandemie konnte das elfte Album nicht verhindern. „Ursprünglich wollten wir in den Palma Studios auf Mallorca aufnehmen, aber Corona schob dem einen Riegel vor,“ erzählt Nils Landgren. „Darauf entschieden wir, es im „Redhorn District“ in Bad Mein-berg einzuspielen, aber auch in Deutschland ging dann nichts mehr. Was also sollten wir tun. Aufgeben? Die Funk Unit? No way! Ich fragte meinen Freund Björn Yttling, ob wir in sein Ingrid-Studio in Stockholm gehen könnten, und er sagte: Kein Problem. Wenige Tage vor der Session bestimmten die schwedischen Autoritäten, dass nicht mehr als acht Leute auf einmal zusammenkommen dürfen. Glücklicherweise blieben wir sechs mit nur einem Toningenieur unter dieser Grenze…“ So ist diesmal also die Kerntruppe der Funk Unit zu hören. Eine verschworene Gemeinschaft, zu der neben Landgren von Anfang an Magnum Coltrane Price am Bass gehört, der hier auch als Produzent auftritt. Und zu der nach und nach Jonas Wall am Tenorsaxofon, Andy Pfeiler an der Gitarre, Petter Bergander an den Keyboards sowie Robert Ikiz am Schlagzeug dazu gestoßen sind. Was sie eint, drückt am besten der Titel des neuen Albums aus: „Funk is my Religion“. Die Verehrung der großen Vorbilder in Kombination mit den eigenen, persönlichen, europäischen Qualitäten - das ist das Geheimnis, warum die Nils Landgren Funk Unit eine der erfolgreichsten und langlebigsten Funkbands ist.Alles, was Funk ausmacht, und mehr findet sich dementsprechend auch auf „Funk is my Religion“. Das beginnt mit dem warmen Soul des Openers „Amanda“, in dem ein softes Key-board, ein weicher Bläsersatz und ein träumerisches Posaunen-Solo die Akzente setzen. Wird bei „Anyway You Want It“ zu im-mer noch ruhigem, aber knallhartem Funk. Beschleunigt rasant auf „See Ya in Court“, pendelt sich mit dem Titeltrack in federnden Groove ein und zeigt auf „ES in Memoriam“ auch mal die melancholisch, bluesige Seite. Klassischer, pechschwarzer und gospeliger Synkopen-Funk zum Mitsingen und Mitwippen ist mit „Doing It for the People“ ebenso vertreten wie ein an James Brown erinnernder Reißer („Play Funk“), ein jazziges Solistenstück, („Brand New Funk“) und die überschäumende finale Hymne. Das meiste mit charakteristischen Basslines, vieles im Wechsel- und Chorgesang, alles im Teamwork (wie auch ein früheres Funk Unit-Album heißt): Auch die zehn Kompositionen teilten sich Landgren, Price, Pfeiler und Wall auf. „Jedes Stück erzählt eine Geschichte“, sagt Nils Landgren, „manchmal von Personen, die uns inspiriert haben oder die wir bewundern, manchmal etwas, das einfach gesagt werden musste. So schlicht und einfach, wie es der Titelsong auf den Punkt bringt.“ Zu den Personen, die hier mit Stücken geehrt werden, gehört der große, tragisch und früh verstorbene Esbjörn Svens-son, der seinerzeit die Funk Unit mit aus der Taufe gehoben hatte und für den Landgren „in Memoriam“ hier eine wunderschön traurige Posaunenmelodie spielt. Doch Landgren, der Entdecker und Produzent so vieler Sängerinnen, hat auch schon immer starke Frauen zu Titelfiguren erhoben. Hier sind es die junge Poetin Amanda Gorman, „die uns alle bei der Inauguration von Joe Biden so beeindruckt hat“, und Kamala Harris, die erste weibliche, schwarze und asiatische amerikanische Vizepräsiden-tin, denen er fast schon Liebeslieder im Soul-Gewand widmet. Da ist er wieder, der Blick in die USA, als „die größte und wichtigste Demokratie, deren Vorgänge ich auch trotz Pandemie verfolge und deren Vorkämpferinnen ich würdigen möchte,“ wie Landgren erklärt. Aber natürlich auch als Land der musikalischen Wurzeln. „Ohne den Trompeten-Jazz meines Vaters und die Soulplatten, die mir mein älter Bruder vorspielte, würde es das, was wir machen, nicht geben. Diese wohlschmeckende Suppe mit vielen Zutaten.“ So ist „Funk is my Religion“ auch das Vermächtnis der vielen Vorgänger und Vorbilder dieser unvergleichlich körperlichen („It‘s no plastic“ heißt es auf „Play Funk“) und vitalen Musik. Eines, das auch in Zukunft von Schweden aus in alle Welt weitergegeben wird, wie der Schlusstitel unmissverständlich klar macht: „NLFU Will Never Stop“!

Limitierte Testpressung des Albums von dem Emile Parisien Quartet.Ein seltenes Sammlerstück: Eine Testpressung ist die erste Probeplatte eines Albums und dient der Qualitätskontrolle vor der finalen Pressung. Sie entspricht klanglich nicht immer exakt der späteren Veröffentlichung, was sie jedoch zu einem besonderen Sammlerstück mit eigener Geschichte macht. Jede Testpressung ist eine Limited Edition – ideal für Sammler:innen und alle, die Jazz-Vinyl, Raritäten und exklusive Ausgaben schätzen.Album: Let Them CookVÖ-Datum: 01.03.2024Unser Vinyl Testpressung-Paket beinhaltet:1 Bio-Vinyl-Testpressung in der originalen weißen Schutzhülle. Eine schön gestaltete Karte mit handgeschriebenen Schlüsseldetails zur Veröffentlichung, wie Künstlernamen, Albumtitel, Produktionsjahr und Anzahl der Testpressungen. Album-Booklet im PDF-Format. Dieses enthält einen Einblick in das Album mit dem Cover-Artwork, einem Text über das Album, der Tracklist, vollständigen Produktions- und Performance-Credits sowie Details zur Instrumentierung.Echtheitszertifikat der Testpressung Dieses Zertifikat bestätigt die Echtheit der Testpressung, die im Rahmen des Qualitätskontrollprozesses vor der finalen Vinylpressung hergestellt wurde. Testpressungen werden nur in begrenzter Stückzahl produziert, um höchste Klangtreue und Fertigungsqualität zu gewährleisten. Jede Testpressung wird sorgfältig geprüft und von unserem Team freigegeben, bevor die Produktion fortgesetzt wird. Dieses Dokument dient als Nachweis für ihre Authentizität und Einzigartigkeit. Zur offiziellen Bestätigung trägt dieses Zertifikat den Firmenstempel. Hinweis: Eine Testpressung ist eine Vorabversion der Vinylplatte, die zur Überprüfung der Pressqualität vor der Serienproduktion verwendet wird. Die Audioqualität kann leicht von der finalen Version abweichen und kleine Unregelmäßigkeiten aufweisen, die Teil des Testprozesses sind. Sie besitzt historischen Wert als Bestandteil des Produktionsprozesses.

Aus dem ACT Archiv: Testpressung des Albums "Happy" von Marius Neset, aus dem Jahr 2022.Nur eine Testpressung ist erhältlich – ein seltenes Sammlerstück.Album: HappyRelease Datum: 03.09.2022Diese Testpressung wurde verwendet, um die höchste Audioqualität vor der Massenproduktion sicherzustellen. Unser Vinyl Testpressung-Paket beinhaltet:1 Vinyl-Testpressung in der originalen weißen Schutzhülle. Eine schön gestaltete Karte mit handgeschriebenen Schlüsseldetails zur Veröffentlichung, wie Künstlernamen, Albumtitel, Produktionsjahr und Anzahl der Testpressungen. Album-Booklet im PDF-Format. Dieses enthält einen umfassenden Einblick in das Album mit dem Cover-Artwork, einem Text über das Album, der Tracklist, vollständigen Produktions- und Performance-Credits sowie Details zur Instrumentierung. Echtheitszertifikat der Testpressung Dieses Zertifikat bestätigt die Echtheit der Testpressung, die im Rahmen des Qualitätskontrollprozesses vor der finalen Vinylpressung hergestellt wurde. Testpressungen werden nur in begrenzter Stückzahl produziert, um höchste Klangtreue und Fertigungsqualität zu gewährleisten. Jede Testpressung wird sorgfältig geprüft und von unserem Team freigegeben, bevor die Produktion fortgesetzt wird. Dieses Dokument dient als Nachweis für ihre Authentizität und Einzigartigkeit. Zur offiziellen Bestätigung trägt dieses Zertifikat den Firmenstempel. Hinweis: Eine Testpressung ist eine Vorabversion der Vinylplatte, die zur Überprüfung der Pressqualität vor der Serienproduktion verwendet wird. Die Audioqualität kann leicht von der finalen Version abweichen und kleine Unregelmäßigkeiten aufweisen, die Teil des Testprozesses sind. Sie besitzt historischen Wert als Bestandteil des Produktionsprozesses.

iiro Rantala Trio - TrinityCD / Limited and Hand-Numbered Deluxe Vinyl Box / digital„Eine bezaubernde, großartige Darbietung und eines der besten Alben dieses Jahres.“ The Ear / GBFür die dritte Ausgabe der exklusiven Kooperation zwischen ACT und dem renommierten “Château Palmer” widmet sich der finnische Meister-Pianist Iiro Rantala seiner Liebe zu den großen Standards des Jazz. Dafür haben er und Produzent Andreas Brandis ein neues Trio zusammen gestellt, mit der finnischen, in New York lebenden Bassistin Kaisa Mäensivu und dem dänischen Schlagzeuger Morten Lund. Man hört den mal zärtlich-melodischen, mal intensiv swingenden Aufnahmen die Magie des historischen Châteaus im Bordeaux an. Inhalt über Form, Ausdruck über Effekt, Herz über Kopf! Auch als streng limitierte EDITION PALMER III:• Hochwertige, Leinen-bezogene Box• 180-Gramm-Vinyl• Handsignierter Kunstdruck von Katja Strunz • Umfangreiches Booklet in LP-Größe • Hi-Res-Downloadkarteiiro Rantala pianoKaisa Mäensivu double bassMorten Lund drumsText in English by Alex Dutilh, Open Jazz Translated by Sebastian Scotney2+2=3. The idea is mischievous, but maybe when a trio of musicians as good as these conspire together to make something very unusual, the breaking of rules is going to happen anyway. iiro Rantala and Morten Lund have known each other ever since the pianist joined the ACT family. Back then, in 2012, iiro called out to the Danish drummer to record ‘My History of Jazz’ with him. "Since then, I've become more convinced than ever that Morten really is the best in Europe at playing alongside a walking bass. And there’s a simple reason for that: he is steeped in Copenhagen’s long and illustrious jazz tradition. He has worked alongside the players who performed with Dexter Gordon, Stan Getz and Ben Webster, with Ed Thigpen, with Niels-Henning Ørsted Pedersen, pretty much everyone...he has inherited all of that history. " As regards the double bassist on this album, Kaisa met iiro at a jam session in Helsinki during Covid. Despite her being based in New York, the pianist recently hired her to celebrate Independence Day with him at the Finnish President’s residence in Helsinki, Mäntyniemi, in December 2024. "Morten, Kaisa and I had never actually played together before the Château Palmer gig. And I had never recorded an album of standards with a trio of piano, double bass and drums,” explains the pianist. “The usual way is to rehearse... then to play a few concerts or even a tour... we normally put ourselves to the test before we record. Not this time."That wish, to capture and preserve the freshness and wonder of things being done for the very first time is in the DNA of the Edition Palmer Collection, a superb initiative conceived and co-led by Thomas Duroux, director of Château Palmer, and Andreas Brandis, CEO and producer at ACT, with ‘Trinity’ as the third in the series. In 2023, the inaugural meeting between Joachim Kühn and Michael Wollny (‘Duo’) was very much a one-off encounter, and that set the tone. The emphasis in this series is on having the expectation that each ‘millésime’ will be resolutely, definingly unique... In 2024, the recording at the Château of Lars Danielsson's Trio with Verneri Pohjola and John Parricelli was also the result of following an intuition that the combination would be miraculous... all of this is very much aligned with Château Palmer’s way of making wine, which is to vary the proportions of Merlot, Cabernet Sauvignon and Petit Verdot in the blend of each year’s vintage. For this trio, iiro has opted for a repertoire of standards. This is a first for him, and in two respects. "I had been thinking about doing it for many years. I felt that at some point in my life, I had to pay tribute to this repertoire, which represents the foundations. Like a classical musician who must one day tackle the toccatas of Bach's or the sonatas of Mozart and Beethoven. That said, I think that jazz pianists as a rule are better off not starting from there. Because there is such a weight of expectation from those who came before: Bill Evans, Oscar Peterson, Keith Jarrett... But one thing is certain. I wanted to approach the standards without arranging them or, more importantly, without deranging them, without the obsession of wanting to reharmonise them or feeling any need to transform a waltz into 5/4... I wanted it all to be as pared-down as possible, to approach them in the purest way we could." To make this intent even clearer, iiro chose not to seek out rare or forgotten standards, but to revisit some of the best-known ones. He stays as close as possible to their essence, allowing the listener to hear the ‘specific touch’ he brings to them... in the same way that a great wine strives to reveal the truth of its ‘terroir’. Alongside the Broadway classics, Rantala has smuggled in two sly acknowledgements of the French popular heritage. First, there is Hymne à l'amour, immortalised by Edith Piaf in 1950; second, the oldest lullaby known in France, Fais Dodo, Colas Mon P’tit Frère do, which dates back to the 18th century and has a melody which incorporates the sound of church bells ringing the Angelus. Every toddler remembers it, whether they live in the Médoc, Burgundy or Languedoc, so it's a particularly delightful moment when this lullaby is performed as a duet by iiro and Kaisa. It is also noteworthy that when the bassist recorded this, she was expecting a child... her pregnancy bump nestling against the double bass. A lullaby, then, which also embodies an annunciation. iiro is one of those musicians who – quite literally – has the lyrics of all of the standards he plays at his fingertips. So, the fact that the journey takes us from the cheerful I Love You to the tenderness of Smile says a lot about the atmosphere of the session: it was one in which a huge sense of empathy prevailed. Between the three musicians, there is a heightened sense of mutual listening, not least because there is no scope for patching, hiding away or trickery in this studio set-up: all three musicians are in the same room, a ‘salon’ on the ground floor of the Château. And their eyes are as wide open as their ears. Arnaud Houpert, the sound engineer, has installed a transparent screen in front of the drums and double bass to keep their sounds away from the piano microphones. The music is therefore captured as close as possible to the natural sound of three musicians making music ‘together’. And that brings a musical echo here of Palmer's biodynamic approach to winegrowing. In terms of closeness to nature, the recording venue took things even further, as the living room's French windows let in daylight and views of the landscape. Morten, Kaisa and iiro would all readily admit later that they were greatly inspired by the clouds, the blue sky and a breeze blowing through the trees as they improvised. Another indication of this trio’s natural and empathetic teamwork during their two days in the studio was that they never needed to go beyond three takes for any of the standards, and, in the case of four of them, the first take was the best, and the one used on the album. It must be said that as artistic director, Andreas Brandis, who was in the next room with the sound engineer, made the decisions with his very keen ear, discussing with iiro whether a particular take might need redoing, or if the magic had simply taken hold straight away. During one of the breaks, Andreas spoke of the respect he has for Thomas Duroux, the director of Château Palmer, with whom a long-standing partnership has been established. "Most of the other châteaux in the Médoc have classical music programmes, because it makes sense to have a violinist or solo pianist in a place associated with great wines. Jazz, with its adventurous side, is something very different. But Thomas Duroux, with his idea of combining his own passion for jazz with the world of wine, strikes a chord, and that's a stroke of luck. He tries to innovate in his holistic view of the relationship between the vineyard and its environment, which, I suppose, is not always the most obvious option. But, as in jazz, the most direct path is rarely the most interesting." In the same way as a new perspective on the trio comes from the insertion of the track for the duo of piano and double bass, a solo piano gem has also been cleverly slipped in, rather like a less common grape varietal which adds depth to the classic blend of a vintage. Iiro chose In a Sentimental Mood at the very end of the second session. And it would have been wrong for him to deprive us of it. We hear five minutes in which the pianist's truth creeps in beneath the melody – playing with a touch of bewildering grace. It takes complete maturity to dare such simplicity, to just let the fingers do the singing.Another memorable moment comes with the rhythm which Morten Lund has chosen for The Days of Wine and Roses. It might have brought a glimmer of approval to Ahmad Jamal (who never recorded the tune), remembering the days of his classic trio with Vernell Fournier and Israel Crosby. The energy in Lund’s drumming is a tonic, and it has more than a hint of tannic spice about it too. Perhaps that’s no accident, because Morten Lund is a devoted wine connoisseur and collector. His playing is in perfect sympathy with Kaisa Mäensivu's walking bass throughout the session. Kaisa now lives in New York, where she has formed a band to playing her own original music. "It was so nice to go back to the standards," she admits with a smile. "I found it enjoyable to be so free, because I usually play quite complex or difficult music. And here, suddenly, it all fits on one page, with simple chord changes, and you feel really free. It becomes a real playground." For Morten, this repertoire is more like a second skin: "It's quite natural in Copenhagen. First you have to get your ‘jazz licence’ by playing standards. It was and still is the way to get on the scene, get noticed and get gigs. I was deeply inspired by this tradition, which was, and still is, very strong in Denmark. Having learned from Alex Riel and Ed Thigpen, I have the standards in my blood." iiro, Kaisa and Morten share a commitment to communicate these standards as they really are, as if turning the pages of a short story with each one. The three have done the music a great service, by allowing these songs to sing, to breathe, to be both deeply felt and truly heard. This trilogy, just like its counterpart in wine, is best savoured slowly, one little sip at a time. These are songs which have not just stood the test of time; there is also something timeless about them.CreditsRecorded at Château Palmer in Margaux-Cantenac, France, May 19–22, 2025Recorded by Arnaud HoupertMixed and mastered by Klaus ScheuermannProduced by Andreas BrandisCover art © Katja Strunz Unfolding Process (2025) Courtesy of Contemporary Fine ArtsDesign by Siggi Loch

Theo Croker und Sullivan FortnerCD / Vinyl / Limited Green Vinyl / digital Theo Croker trumpetSullivan Fortner piano Forget the boxes.Forget the compositions.Forget the market.Forget if people will get it.Forget everything. Let's just PLAY. Das Album PLAY vereint zum ersten Mal zwei der wichtigsten amerikanischen Jazz-&-Beyond-Musiker der aktuellen Generation: Trompeter Theo Croker und Pianist Sullivan Fortner. Die beiden kennen einander seit mehr als 20 Jahren, aber PLAY ist ihre erste gemeinsame Aufnahme als Leader. Die ursprüngliche Idee für das Album: eine Sammlung von modernen Jazz-Standards, vielleicht auch einige Versionen populärer Songs. Mit dieser Idee gingen Croker und Fortner ins Studio, nahmen auf… und verwarfen anschließend das komplette Material. Theo Croker erinnert sich: „Während wir spielten, fühlte es sich irgendwie schal an. Nicht in dem Sinne, dass die Songs nicht gut waren. Aber wir spürten, dass wir Dinge spielen, die schon viele Male zuvor aufgenommen wurden.“ Und Sullivan Fortner fügt hinzu: „Wir hatten das Gefühl, nicht wirklich wir selbst zu sein, es fühlte sich mehr wie eine Fingerübung an. Wir haben in der Vergangenheit viel Musik aus dem Great American Songbook gespielt. Das sind großartige Songs und wir haben durch sie sehr viel gelernt. Aber es ist nicht unbedingt die Musik, zu der wir uns heute bei Auftritten hingezogen fühlen. Die Musik, die wir heute machen ist in etwas verwurzelt, das über den Jazz hinausgeht. Sie spiegelt immer die gesamte Diaspora der schwarzen amerikanischen Musik wider und nicht nur ein einziges festes Genre.“Also gingen Croker und Fortner am Folgetag erneut ins Studio. Der Plan diesmal: kein Plan. Keine Kompositionen (bis auf den Opener A Prayer for Peace). Let’s just PLAY. Theo Croker beschreibt den Prozess so: „Wir kamen einfach mit spontanen kleinen Ideen: Dieses Stück spielen wir schnell. Für dieses Stück wählen wir vier Noten, die wir NICHT spielen werden. Bei diesem Stück spiele ich lange Töne, du spielst schnelle. Ich denke mir eine Melodie aus und wir sehen, wohin es führt. Und in einer Stunde waren wir fertig.“ Was formal so einfach klingt, ist in Wirklichkeit die Essenz eines ganzen Lebens des Lernens und Improvisierens. Sullivan Fortner sagt: „Es fühlte sich einfach richtig an: das sind wirklich wir. Der komplett freie Ansatz zog uns auf eine sehr spirituelle und inspirierende Art an und brachte vieles hervor, was wir gemeinsam gelernt haben. Es ist wirklich die Essenz aller unserer individuellen Einflüsse und unserer gemeinsamen musikalischen Beziehung.“Dass diese außergewöhnliche Aufnahme auf ACT erscheint, hat eine Vorgeschichte: Theo Croker wirkte schon auf mehreren ACT-Produktionen mit, zum ersten Mal bei Jazz at Berlin Philharmonic XII – Sketches of Miles und dann im Studio und live bei Emile Parisiens transatlantischem Projekt Louise. In der Folge schlug ACT-CEO Andreas Brandis Theo Croker vor, ein eher akustisches, kammermusikalisch geprägtes Album zu veröffentlichen – während sich dessen Arbeit als Leader derzeit vor allem im Grenzbereich von Jazz, Hiphop und Pop bewegt. Croker dachte sofort an ein Duo mit Sullivan Fortner, eine Idee, über die die beiden Musiker bereits seit Langem sprachen. PLAY ist ein Glücksfall. Und im aktuellen Musikbetrieb nicht nur selten sondern fast schon ein Wunder: Keine Regeln, keine Fragen nach Genres, Zielgruppen, Single- und Streaming-Tauglichkeit. Und auch wenn hier die unterschiedlichsten musikalischen Einflüsse zusammenkommen, macht das Album doch den Spirit des Jazz besonders eindringlich erlebbar – die Freiheit, Interaktion, die Möglichkeit, sich uneingeschränkt auszudrücken und miteinander zu kommunizieren. Oder, wie es Sullivan Fortner auf den Punkt bringt: „This is just two brothers playing.” Credits#1 composed by Theo Croker, all other tracks are improvisationsRecorded June 6, 2023 at The Bunker Studio, Brooklyn, NYRecorded by Todd CarterMixed by Todd CarderMastered by Klaus ScheuermannProduced by Theo Croker & Sullivan FortnerPhoto by @ogata_photoSpiral motif used under license from Giorgio Morara Alamy (vector graphic)Cover design by Siggi Loch

Dhafer Youssef - ShirazCD / Vinyl / digital Dhafer Youssef oud, vocalsDaniel García Diego pianoMario Rom trumpetSwaeli Mbappe electric bassTao Ehrlich drumsNguyên Lê electric guitar, sound design (#4,10,11,13)Shiraz, Dhafer Youssefs erstes ACT-Album als Leader, ist eine tief empfundene Geschichte von Liebe und Dankbarkeit, von Licht und Dunkelheit. Die Musik des tunesischen Oud-Meisters und Sängers ist noch intimer als zuvor – denn dies ist die wohl persönlichste Geschichte seiner gesamten Laufbahn. Das Album ist seiner Frau Shiraz Fradi gewidmet, der gemeinsamen, engen Beziehung und ihrem wendungsreichen Weg. Die Stücke sind durchzogen von der Energie zahlloser Begegnungen und Entdeckungen aus Dhafer Youssefs jahrzehntelanger musikalischer Reise und zugleich geprägt von zärtlicher Demut für das Hier und Jetzt. Dhafer Youssef hat viel erreicht: vom Wanderer mit dem Instrument unter dem Arm wurde er zu einem der erfolgreichsten Grenzgänger zwischen Jazz, Weltmusik und spiritueller Klangerkundung. Zugleich gilt er weithin als eine der markantesten musikalischen Stimmen unserer Zeit; seine Kunst überschreitet Grenzen, Sprachen und Genres. Schon als Kind lernte er in seiner Heimat Tunesien die Sufi-Tradition der islamischen Musik kennen. Meist ging es um die Liebe, ein mystisches Verständnis des Menschseins und die Spiritualität hinter der Wirklichkeit. Das weckte seine Neugier, und Orte wie Teboulbá wurden für einen jungen Mann, der mehr von der Welt sehen wollte, schnell zu eng. 1990 machte sich Dhafer Youssef auf den Weg, landete in Wien und hielt sich zunächst mit Gelegenheitsjobs wie Fensterputzen, Geschirrspülen oder Kellnern über Wasser. Er suchte gezielt Kontakte und kam über eine Theatergruppe mit einheimischen Musiker:innen in Berührung. Schon früh hatte Dhafer Youssef eine klare Vorstellung davon, wie seine Musik klingen sollte: verwurzelt in den Traditionen der arabischen Musik und des Sufismus, zugleich offen für den Sound der Gegenwart. Das konnte Jazz sein, Kammermusik, Rockiges oder auch Elektronik. Mit diesen Ideen fand der Newcomer schnell Anschluss. Bald gehörten Kollegen wie Christian Muthspiel, Renaud Garcia-Fons oder Markus Stockhausen zu seinen Bands. Von da an ging es zügig voran, die Hallen wurden größer, die Projekte ambitionierter. Neben europäischen Kollegen wie Eivind Aarset traten bald auch amerikanische Größen wie Marcus Miller oder Herbie Hancock hinzu. Seine erste Berührung mit ACT hatte Dhafer Youssef 2006 auf Nguyên Lês hypnotischem, farbenreichem Album Homescape. Das wichtigste Ereignis in Dhafer Youssefs jüngerer Vergangenheit hatte jedoch wenig mit Musik zu tun: Ende der Nullerjahre lernte er die tunesische Filmemacherin und Regisseurin Shiraz Fradi kennen – eine Begegnung, die, wie er sagt, sein Leben auf den Kopf stellte. Die beiden wurden ein Paar. Der bis dahin rastlose Oud Meister fand sein Zentrum, und die Regisseurin gab auch seinem Künstlerleben eine neue Richtung. Es lief gut, bis die Corona Pandemie alles lahmlegte. Und es waren Shiraz und ihr Blick auf die Welt, die Youssef halfen, seine Kreativität in dieser Zeit zu bewahren. Er erinnert sich: „Shiraz ist eine sensible Filmemacherin, sie sieht das Leben wie Kino, als würden sich meine Tage in endlose Szenen verwandeln und ich sei dazu gezwungen – oder vielleicht gesegnet –, ohne Unterlass Musik zu komponieren. Musik, Film, Schreiben bestimmten den Rhythmus unseres Alltags.“ Kurz nach Covid änderte sich das Leben erneut – unerwartet und dramatisch: „Bei Shiraz wurde Krebs diagnostiziert“, so Dhafer Youssef. „Doch mit dieser Realität konfrontiert, lehnte sie das Wort ‚Kampf‘ ab. Stattdessen sagte sie: Ich gehe auf eine neue Reise. Und sie ging sie mit einer Anmut und Widerstandskraft, die mich bis heute inspiriert.“ Doch Zeit war eine enorme Herausforderung: „Die dritte Chemotherapie war ein Moment, den ich nie vergessen werde. Ich betrat den Raum: Shiraz’ Körper war da, doch ihre Seele war abwesend. Ich sah sie an; sie sah nicht zurück. Sie weinte, und ich war hilflos, ratlos. Nur die Musik konnte sie erreichen, sie beruhigen, sie zu uns zurückbringen. Und mir wurde klar: Mein nächstes Album kann nur einen Namen tragen: Shiraz. Für sie könnte ich ganze Bücher schreiben – über die Türen, die sie geöffnet hat, über das Licht, das sie gebracht hat. Doch hier will ich sie einfach feiern: ihre Reise, ihre Anmut.“ Die Musik von Shiraz erzählt daher als Essenz dieser bewegten Jahre viel über Dankbarkeit. Entstanden ist sie mit einer neuen, jungen Band bestehend aus Pianist und ACT Artist Daniel García, Trompeter Mario Rom, Bassist Swaéli Mbappé, Schlagzeuger Tao Ehrlich und Nguyên Lê als Gast an Gitarre und Sounddesign. Neun Stücke entstanden im Studio und zeichnen die Reise der Emotionen nach, die Dhafer Youssef in dieser Zeit durchlebt hat: „Die Musik ist auch als Reflexion darüber entstanden, was Shiraz denkt und hört. Generalife Gardens zum Beispiel bezieht sich auf Lole y Manuel, ein Flamenco Duo, das wir gemeinsam in Spanien entdeckten.“ Andere Lieder wie The Epistle Of Love entwickeln sich vom sanft phrasierenden Intro über eine dialogische Wachstumsphase bis zum groovenden Finale – richtige Hörfilme. Dhafer Youssefs Oud entfaltet sich dabei stärker als früher zu einem kammermusikalischen Instrument, das er wie eine klassische arabische Laute einsetzt. Die Gesangs-Stimme von Dhafer Youssef wiederum wird im zweiten Teil des Albums wichtig, hymnisch wie in Shajan oder im melodischen Falsett-Gespräch mit der samten irrlichternden Trompete von Mario Rom. Es gibt zärtliche Widmungen an die Schönheit von Klang und Emotion wie in Rose Fragrance und üppige Energieausbrüche wie in Eyeblink And Eternity. Über die persönliche Geschichte hinaus besitzt diese Musik – wie die von Dhafer Youssef insgesamt – eine kulturelle Relevanz, die heute vielleicht wichtiger ist denn je: Sie verkörpert den Dialog zwischen Tradition und Moderne. In einer von Spaltung und Lärm geprägten Gegenwart spendet sie Ruhe und baut Brücken, zwischen Ost und West, zwischen dem Ich und dem Kollektiv. Und sie macht deutlich, dass kulturelle Identität keine Abgrenzung bedeutet ist, sondern Entfaltung, Vielstimmigkeit und Gemeinschaft. Shiraz ist Musik, so farbenfroh und wendungsreich wie das Leben. Credits All compositions and arrangements by Dhafer Youssef Recording by Tony Paeleman at Studio des Bruères, October 21 & 22, 2024Terpsichorean recorded in Paris March 28th by Giulio Gallo Mixing & additional recordings (vocal, oud) by Nguyên Lê at Big Rock Studio, Lyon (December 2024-June 2025) Mastered by Bruno Gruel at Elektra MasteringVisual Storyteller / Photographer: Skander Khlif Creative Director: Shiraz Fradi Cover art by Skander Khlif

Limitierte Testpressungen des Albums von Dhafer Youssef. Nur 2 Testpressungen sind erhältlich – ein seltenes Sammlerstück!Album: Shiraz VÖ: 14.11.2025Diese Testpressungen wurden verwendet, um die höchste Audioqualität vor der Massenproduktion sicherzustellen. In Ihrem ACT-Testpressungspaket enthalten sind:1 Bio-Vinyl-Testpressung in der originalen weißen Schutzhülle. Eine schön gestaltete Karte mit handgeschriebenen Schlüsseldetails zur Veröffentlichung, wie Künstlernamen, Albumtitel, Produktionsjahr und Anzahl der Testpressungen. Album-Booklet im PDF-Format. Dieses enthält einen umfassenden Einblick in das Album mit dem Cover-Artwork, einem sorgfältig verfassten Text über das Album, der Tracklist, vollständigen Produktions- und Performance-Credits sowie Details zur Instrumentierung. Echtheitszertifikat der Testpressung. Dieses Zertifikat bestätigt die Echtheit der Testpressung, die im Rahmen des Qualitätskontrollprozesses vor der finalen Vinylpressung hergestellt wurde. Testpressungen werden nur in begrenzter Stückzahl produziert, um höchste Klangtreue und Fertigungsqualität zu gewährleisten. Jede Testpressung wird sorgfältig geprüft und von unserem Team freigegeben, bevor die Produktion fortgesetzt wird. Dieses Dokument dient als Nachweis für ihre Authentizität und Einzigartigkeit. Zur offiziellen Bestätigung trägt dieses Zertifikat den Firmenstempel. Hinweis: Eine Testpressung ist eine Vorabversion der Vinylplatte, die zur Überprüfung der Pressqualität vor der Serienproduktion verwendet wird. Die Audioqualität kann leicht von der finalen Version abweichen und kleine Unregelmäßigkeiten aufweisen, die Teil des Testprozesses sind. Sie besitzt historischen Wert als Bestandteil des Produktionsprozesses.

Limitierte Testpressung des Albums von Theo Croker & Sullivan Fortner.Nur 4 Testpressungen sind erhältlich – ein seltenes Sammlerstück!Album: PLAYVÖ: 14.11.2025Diese Testpressungen wurden verwendet, um die höchste Audioqualität vor der Massenproduktion sicherzustellen. In Ihrem ACT-Testpressungspaket enthalten sind: 1 Bio-Vinyl-Testpressung in der originalen weißen Schutzhülle. Eine schön gestaltete Karte mit handgeschriebenen Schlüsseldetails zur Veröffentlichung, wie Künstlernamen, Albumtitel, Produktionsjahr und Anzahl der Testpressungen. Album-Booklet im PDF-Format. Dieses enthält einen umfassenden Einblick in das Album mit dem Cover-Artwork, einem sorgfältig verfassten Text über das Album, der Tracklist, vollständigen Produktions- und Performance-Credits sowie Details zur Instrumentierung.Echtheitszertifikat der Testpressung. Dieses Zertifikat bestätigt die Echtheit der Testpressung, die im Rahmen des Qualitätskontrollprozesses vor der finalen Vinylpressung hergestellt wurde. Testpressungen werden nur in begrenzter Stückzahl produziert, um höchste Klangtreue und Fertigungsqualität zu gewährleisten. Jede Testpressung wird sorgfältig geprüft und von unserem Team freigegeben, bevor die Produktion fortgesetzt wird. Dieses Dokument dient als Nachweis für ihre Authentizität und Einzigartigkeit. Zur offiziellen Bestätigung trägt dieses Zertifikat den Firmenstempel. Hinweis: Eine Testpressung ist eine Vorabversion der Vinylplatte, die zur Überprüfung der Pressqualität vor der Serienproduktion verwendet wird. Die Audioqualität kann leicht von der finalen Version abweichen und kleine Unregelmäßigkeiten aufweisen, die Teil des Testprozesses sind. Sie besitzt historischen Wert als Bestandteil des Produktionsprozesses.

Nils Landgren - Christmas with my Friends IXCD / Purple Vinyl / digital Nils Landgren trombone, vocalsSharon Dyall vocalsJeanette Köhn vocals Jessica Pilnäs vocals Ida Sand vocals, piano Jonas Knutsson saxophones Johan Norberg guitars Clas Lassbo bass Trombones from the Swedish Radio Symphony OrchestraHåkan Björkman, Mikael Oscarsson, James Kent, Martha Eikemo Andersen Was wäre Weihnachten ohne Lieder? Und ohne Freunde und Familie? Posaunist, Sänger und Produzent Nils Landgren träumte lange davon, ein musikalisches Weihnachtsfest mit guten Freund*innen zu feiern. 2006 wurde dieser Traum Wirklichkeit: Christmas With My Friends erschien und entwickelte sich rasch zu einem der beliebtesten und erfolgreichsten Weihnachtsalben des europäischen Jazz – und zu einer liebgewonnenen Tradition. Seither erscheint die Serie im zweijährigen Rhythmus und wird von ebenso regelmäßigen Tourneen begleitet. Nun geht die Reihe mit Christmas With My Friends IX in die neunte Runde.„Jemand hat mich einmal gefragt: Sind nicht irgendwann einmal alle Weihnachtslieder gesungen?“, erinnert sich Nils Landgren. Seine Antwort ist einfach: „Nein, sind sie nicht. Solange wir Weihnachten feiern, wird es Lieder geben – alte und neue.“ Für Landgren und seine Mitmusiker*innen sind sowohl die Aufnahmen als auch die Konzerte eine besondere Freude: „Ich kann das Gefühl kaum beschreiben, wenn eine weitere Aufnahmesession abgeschlossen ist. Wir stecken unser Herz und unsere Seele in jedes einzelne Album, und im Laufe der Jahre sind wir zu einer sehr eingeschworenen Gemeinschaft geworden. Nach acht Alben und zehn langen Tourneen kennen wir uns mittlerweile richtig gut.“Wie in jeder Ausgabe trafen sich Landgren & Friends auch für die neunte Folge von Chrismas bei Kaffee und Zimtbrötchen, um eine Auswahl klassischer europäischer und amerikanischer Weihnachtslieder quer durch Stile und Epochen sowie Neukompositionen zu besprechen und auszuprobieren. Die Besetzung umfasst erneut Jonas Knutsson (Saxofon), Johan Norberg (Gitarre), Clas Lassbo (Bass) und Ida Sand (Piano, Gesang) sowie die Sängerinnen Sharon Dyall, Jessica Pilnäs und Jeanette Köhn. Traditionell fanden die Aufnahmen in den renommierten Atlantis Studios in Stockholm statt – unter der Leitung von Nils Landgren und Co-Produzent Johan Norberg. Als besonderes Extra hat Landgren diesmal die Posaunensektion des schwedischen Radiosinfonieorchesters für einige besonders ergreifende Choräle eingeladen.Die Vielfalt der Stimmen, die enge Vertrautheit aller Mitwirkenden und der warme, akustische zugleich festliche wie intime Charakter der Musik prägen den unverwechselbaren Zauber dieser Musik. Christmas With My Friends IX ist eine Feier der Freundschaft, des Friedens und der Freude – eine musikalische Weihnachtsgeschichte, die Nils Landgren und seine Freund*innen mit ihrem Publikum teilen.Credits Recorded March 3–4, 2025, at Atlantis Studios, Stockholm Recorded by Niclas Lindström Trombones on #1 recorded by Hans Gardemar at KMH Kungasalen Stockholm Mixed by Johan Norberg Mastered by Klaus ScheuermannProduced by Nils Landgren & Johan Norberg

Emma Rawicz - INKYRACD / Vinyl / Limited Purple Vinyl / digitalEmma Rawicz tenor, soprano saxophonesGareth Lockrane flute, alto flute, bass flute, piccolo David Preston guitar Scottie Thompson Rhodes, piano, Prophet Kevin Glasgow electric bassJamie Murray drums„Im Jazz kann man nie genug wissen“, meint die Saxofonistin Emma Rawicz. 2002 geboren, gehört sie spätestens seit ihrem ACT-Debüt Chroma zu dem meistbeachteten und gefragtesten europäischen Jazzmusiker*innen ihrer Generation. Jazz ist für Emma Rawicz vor allem eine nie versiegende Quelle der Kreativität. Sie sagt: „Es gibt immer etwas zu entdecken. Während man selbst übt, wird schon wieder so viel Neues entwickelt.“ Emma Rawicz ist eine besessene Arbeiterin. In der Corona-Zeit begann sie, ihre Übe-Routinen auf Instagram zu dokumentieren. Zehntausende Menschen verfolgen seitdem ihr „Werden“. Sie ist in ganz Europa unterwegs, spielt in den größten Konzerthäusern, tritt als Headliner auf wichtigen Festivals auf, schreibt beständig neue Musik, leitet ihr eigenes Emma Rawicz Jazz Orchestra und wurde unlängst von der BBC in den Kreis ihrer New Generation Artists aufgenommen – genreübergreifend die absolute Oberliga des Landes. Der Guardian konstatiert: „Emma Rawicz ist im Sprint gestartet – und die Warpgeschwindigkeit ihrer Entwicklung zeigt keine Spur einer Verlangsamung.“In dieser Entwicklung wählt Emma Rawicz nie den einfachen Weg – weder für sich selbst noch für ihr Publikum. Und sie tut das immer mit einem Lächeln, einem, dass sich auf die Zuhörenden überträgt. Es geht ihr nicht um Konfrontation, sondern um das gemeinsame Entdecken und Erleben von neuer, un-gehörter Musik jenseits gängiger Klischees. Das Album Inkyra, aufgenommen im Sextett Gareth Lockrane (Flöte), David Preston (Gitarre), Scottie Thompson (Keys), Kevin Glasgow (E-Bass) und Jamie Murray (Schlagzeug), sprengt in vielerlei Hinsicht Grenzen. Es strotzt vor Energie, Ideen, Farben sowie rhythmischer und harmonischer Komplexität. Rawicz selbst beeindruckt mit einem so gewichtigen wie wendigen Ton, tiefem musikalischem Intellekt, gepaart mit großer Sinnlichkeit und einem Gespür für Schattierungen, Texturen, Zwischentöne. Zum ersten Mal ausprobiert haben Rawicz & Band die neue Musik in einem kleinen Londoner Nachtclub – unbestuhlt und vor sehr gemischtem Publikum. Auch das ein Statement: Hier geht es nicht um Fingerübungen, sondern darum, die Zuhörer*innen mitzunehmen, sie zu bewegen – innerlich wie äußerlich.Emma Rawicz sagt über die Entwicklung von Inkyra: „Das Album bedeutet mir viel. Es ist etwas Besonderes, ich spiele mit dieser Band bereits seit mehr als drei Jahren zusammen. Wir haben sehr intensiv an dieser Musik gearbeitet. Nach dem ersten Konzert im vergangenen Sommer haben wir alle viel Zeit investiert, geübt und das Programm in Workshops weiterentwickelt. So haben alle ihren Stempel darauf hinterlassen.“ Die Einflüsse der Musik kommen aus vielen Quellen – auch aus solchen, die man nicht sofort erwartet: „Einige Inspiration für die Musik kommt von Joni Mitchell. Das klingt zunächst abwegig, denn die Stücke klingen nicht nach Singer/Songwriter. Trotzdem hatte ich mich sehr in ihre Musik vertieft, bevor ich das Programm komponiert habe. Mich fasziniert ihre Art, Melodien zu strukturieren, ihre Verwendung von Harmonie, besondere Tunings und ungewohnte Akkorde, die man aus dem Jazz nicht kennt. Das hat mich am Klavier beeinflusst und damit wiederum meine Arbeit als Komponistin geprägt. Daraus ist eine eigene Identität entstanden. Ich habe mich auch an den Lyrics orientiert, die wiederum in den Titeln der Stücke auftauchen und auch den Fantasienamen des Albums inspiriert haben.“ Musikalisch klingt Inkyra mindestens so farbenreich wie der mit anderer Band eingespielte Vorgänger Chroma (griechisch für Farbe und eine Referenz an Emma’s besondere Wahrnehmung als Synesthetikerin). Das hymnische Intro etwa wurzelt im spirituellen Sound der Sechziger. Es gibt dichte, sich auftürmende, bis in den Prog Rock reichende Flächen wie in Moondrawn (dreaming), oder Verweise auf brasilianische rhythmische Wurzeln wie in Marshmallow Tree. Manches wirkt wie Anima Rising, als würde nicht nur ein Sextett, sondern ein ganzes Jazz-Orchester spielen; anderes klingt – wie Time, And Other Thieves – nach einer Mischung aus schwerem Indie-Beat und flirrender Psychedelik, besonders durch Gareth Lockranes weit schweifende Flöte. Das Album wirkt damit ein wenig wie ein Raumschiff, mit dem Emma Rawicz – die nach ihren Londoner Jahren aktuell in Berlin lebt – in neue Richtungen strebt: „Manchmal fühlte es sich an, als würden wir den Orbit verlassen, grenzenlos in den Improvisationen. Als könnten wir einfach abheben und den Rest hinter uns lassen. Es ist für mich wie eine kosmische Reise. Wir wissen nicht, wo wir landen – nur, dass wir wieder gemeinsam ankommen.“CreditsAll music composed by Emma RawiczProduced by Emma Rawicz, co-produced by David PrestonRecorded at Livingston Studios, on the 7th, 8th and 9th of October 2024Recorded by Sonny Johns Mixed by Alex KillpartrickMastered by Klaus ScheuermannCover art by Yukimasa Ida, Flowers (2022) © Yukimasa Ida, courtesy of Mariane Ibrahim Gallery

Bugge Wesseltoft - It's still snowing on my pianoLiveCD / Vinyl / Limited Sky Blue Vinyl / digital Bugge Wesseltoft piano Das Solo-Piano-Album It‘s Snowing On My Piano des Norwegers Bugge Wesseltoft zählt zu den erfolgreichsten Veröffentlichungen in der Geschichte von ACT. Und für viele Menschen, besonders in Deutschland und Norwegen, gehört das Album seit seinem Erscheinen 1997 fest zur Weihnachtszeit. Dabei ist es alles andere als ein typisches Weihnachtsalbum. Schon der erste Ton offenbart die meditative Kraft dieser Musik und schafft einen Ort des Friedens und der Ruhe – ein Zustand, der heute noch kostbarer erscheint als damals. Seitdem hat Bugge Wesseltoft die Musik des Albums immer wieder live gespielt – und jedes Mal neu interpretiert. Die Kompositionen und Melodien dienen dabei als Ausgangspunkt für musikalische Meditationen. Nach fast 20 Jahren war es an der Zeit, diese Entwicklung festzuhalten - uns so erscheint nun mit It’s still snowing on my piano erstmals eine Live-Version des vielgeliebten Albums, aufgenommen bei Konzerten in fünf norwegischen Kulturhäusern und Kirchen. Als Bugge Wesseltoft die Musik von Snowing vor knapp 20 Jahren zum ersten Mal live spielte, im Kalkmølla, einem kleinen, gemütlichen Kulturzentrum außerhalb von Oslo, war er zunächst unsicher, ob sich die magische Atmosphäre der Studioaufnahme wiederherstellen ließe. Er erinnert sich: „Hundert Menschen saßen in einem kleinen akustischen Raum. Ich begann leise und langsam zu spielen, genau wie auf dem Album. Nach ein paar Songs konnte ich das tiefe Atmen des Publikums hören. ‚Oh Gott, das muss für sie so langweilig sein‘, dachte ich und war mir sicher, dass sie zur Pause alle gehen würden.“ Gegangen ist natürlich niemand. Im Gegenteil: „Nach dem Konzert erzählten mir alle, was für eine großartige Erfahrung das für sie gewesen war. Seitdem spiele ich diese Musik jedes Jahr im Dezember in Norwegen vor großem Publikum. Es ist unglaublich, die gemeinsame Energie zu spüren, die Musik und Publikum zusammen im Konzertsaal erzeugen.“ Von der Idee des ACT-Gründers Siggi Loch, ein Weihnachtsalbum aufzunehmen, war Bugge Wesseltoft im 1997 zunächst wenig begeistert. Und er kann auch heute noch gut erklären, warum: „Ich bin kein großer Fan des Weihnachts-Shoppingwahns und des gestressten Glücks. In den frühen Neunzigerjahren hatte ich in einer psychiatrischen Klinik gearbeitet und schockiert festgestellt, dass Weihnachten eine Hochsaison für Depressionen, Nervenzusammenbrüche und Familienprobleme war. Ich schätzte mich glücklich, in einer Familie aufgewachsen zu sein, in der Heiligabend ein herzerwärmender, ruhiger Abend im Kreise der engsten Familie war.“ Das brachte Wesseltoft schließlich auf die Idee, ein Weihnachtsalbum in diesem Geiste aufzunehmen – eines, das seiner damals zweieinhalbjährigen Tochter Maren später vielleicht einmal gefallen würde. In seinen Worten: „Ruhig, langsam, mit Schwerpunkt auf liebevollen Kindheitserinnerungen und den Liedern, die wir sangen, während wir uns an den Händen hielten und um den Weihnachtsbaum herumstanden.“ Große Erwartungen waren mit der tatsächlich noch vor Weihnachten 1997 erscheinenden Einspielung nicht verbunden. Und erst einmal passierte auch nicht viel. Im folgenden Jahr aber breitete sich die Kunde von dieser ganz besonderen Weihnachtsmusik aus, die Menschen schlossen das Album ins Herz, empfahlen und verschenkten es immer wieder, bis heute. Die Liveaufnahme It’s still snowing on my piano wirkt vertraut und neu zugleich. Die Melodien der zumeist traditionellen Originalkompositionen bleiben erhalten. Wesseltofts Umgang mit den Stücken ist nicht der des Dekonstruierens oder Re-Komponierens, eher der eines behutsamen Durchwanderns und Erkundens der Räume zwischen den Noten. Doch genau auf diesem Weg entsteht innerhalb der Songs ganz neue Musik. Es scheint, als wiese jeder vorhergehende Ton dem nächsten den Weg, als folge auf jede Verzweigung eine weitere. Oft scheint es, als sei Wesseltoft dabei selbst gleichermaßen Spieler und Zuhörer. Bei den Aufnahmen zum Originalalbum saß Tochter Maren auf seinem Schoß - kein typisches Verhältnis von Künstler und Publikum, eher die eines gemeinsamen Lauschens und Fühlens. Genauso ist es auch bei den Konzerten und im heimischen Wohnzimmer. Und es ist genau dieses Gefühl der Verbindung zwischen Musiker und Zuhörer, die besondere Magie dieser Musik ausmacht.CreditsMusic arranged and produced by Bugge Wesseltoft Mixed and mastered by Klaus ScheuermannCover art by Ardy Strüwer

Bill Laurance - LumenCD / Vinyl / Limited Turquoise Vinyl / digitalBill Laurance Yamaha CFX2 grand pianoYamaha UX3 upright piano with feltBill Laurance tauchte ab. Mehrere Tage und Nächte lang verschwand er allein am Piano in der Musik und ließ sich treiben – mal mehr, mal weniger von vorhandenen Kompositionen geleitet. Die Mauern der St Faith’s Church des Südlondoner Stadtteils Dulwich dämpften die Außenwelt, ein spirituell durchzogener Klangraum entstand. „Ich bin kein sehr religiöser Mensch“, erinnert sich Laurance an die Aufnahmesituation Anfang April diesen Jahres. „Aber es war etwas Besonderes, an diesem Ort zu spielen, während um mich herum der Alltag ruhte. Und es ist etwas anderes, wenn man in so einem Ambiente nur mit sich selbst kommuniziert. Ich wollte die Freiheit in der Musik festhalten, die in solchen Momenten entsteht.“ Es geht ihm dabei um das Ausloten des gesamten Spektrums eines klassisch klingenden Konzertflügels im Raum zwischen Komposition und Freiheit: „Wenn man solo spielt, gibt es die einzigartige Möglichkeit, das zu erforschen. In einer Kirche aufzunehmen war dafür perfekt und ich konnte mich ganz in der Musik fallen lassen. Der wundervolle Gitarrist Isaiah Sharkey meinte einmal zu mir, die Musik selbst würde ihm erzählen, was er spielen solle. Das hat mich sehr beeindruckt. Wir werden üblicherweise trainiert, alles zu kontrollieren und zu üben, bis es perfekt sitzt. Aber ich glaube, ich komme inzwischen an einen Punkt, an dem ich es einfach laufen lassen will. Das Gegenteil tun und der Musik die Führung überlassen.“ Das heißt nicht, dass Bill Laurance plötzlich völlig regelfrei spielt. Während viele der Stücke von Lumen eine starke improvisatorische Komponente enthalten, sind andere durchkomponiert und klar in ihren Strukturen festgelegt. Den 44-jährigen Pianisten, Komponisten und Bandleader interessiert nicht die Auflösung, sondern die Kraft, die aus dem Kontrast entsteht. Er hat zahlreiche Projekte, bei denen er intensiv mit seinen Partner:innen kommuniziert – etwa das Duo mit Michael League, sein eigenes Trio, die Programme mit Snarky Puppy oder orchestrale Kooperationen wie Bloom mit dem The Untold Orchestra. In solchen Momenten fügt man sich in die Gemeinschaft und lässt sich vom Flow des Teamworks tragen. Solo aber funktioniert anders. Man sieht sich im Spiegel, setzt die Regeln – und kann sich auch wieder von ihnen lösen: „Ich tauchte wirklich in den Moment ein. Für mich fühlte es sich wie eine Solo-Pilgerreise an. Etwas passierte, ich habe insgesamt vielleicht drei Stunden Musik aufgenommen und musste dann einiges weglassen. Im Kern aber war es für mich eine spirituelle Erfahrung, ein Prozess des Ankommens, eine Frage des Vertrauens. Ein bisschen wie Indiana Jones beim letzten Kreuzzug, als er diesen Schritt in den Abgrund wagte. Ein Sprung ins Ungewisse. Ich hätte mich kaum mehr exponieren können als mit dieser Musik. Früher hatte ich viele Synthesizer, Drum Machines – alles Mögliche, auch im Solo-Umfeld. Aber als Künstler fühle ich mich inzwischen so weit, das alles wegzulassen, um organischer und purer zu sein.“ Neben dem Flügel verwendete Bill Laurance ein mit Filz gedämpftes Klavier. Es ist der klangliche Gegenpol zur Weite des Grand Pianos: Weniger Anschlag und Dynamik zugunsten eines intimeren, wärmeren Tons. Das Felted Piano ist tonale, melodische Percussion und Kontrapunkt zum großen Raum, den die Kirche bot. Er setzte es dezent als Akzent ein, um den zehn Stücken von Lumen weitere Farben zu verleihen – etwa als melodisch markantes Intro von „Mantra“, das vom kleinen Motiv schrittweise und beinahe unmerklich in die Opulenz des Flügelklangs übergeht. Das Titelstück wiederum hat Impressionismus im Stammbaum und wirkt wie ein neu entdecktes Prélude, während „Dove“ im Zusammenspiel von Dämpfung, fröhlicher Phrasierung und einer Prise swingbluesiger Lässigkeit zu einer Art Modern Stride Piano wird. Mit dem Album "Lumen" öffnet sich die Weite von Bill Laurances Selbsterforschung. Es ist der hinreißende Beginn seiner neuen Vorstellung von melodisch fundierter Klangfreiheit. Man hat das Gefühl: Bill Laurance's Solo-Piano-Reise hat gerade erst angefangen und man möchte nur allzu gerne auf ihren kommenden Stationen dabei sein. CreditsAll music composed by Bill Laurance Published by Flint Music, administered by BMG PublishingRecorded at St Faith’s Church, Dulwich, London on the 3rd and 4th April 2025 Recorded by Camilo SalazarMixed by Steve Poppleton and Bill LauranceProduced by Bill LauranceMastered by Christoph Stickel @csmastering.com Bill Laurance is managed by Mike Chadwick for Mike Chadwick Management Cover art by Michael Kidner, Butterfly Wings, 1966 Oil on canvas, 168 x 183 cm (Image has been adjusted for print) © Estate of Michael Kidner, courtesy of Flowers Gallery

Vincent Peirani - Living Being IVCD / Vinyl / Limited red transparent Vinyl / digital Vincent Peirani accordion, accordina Emile Parisien soprano saxophone  Julien Herne bass Tony Paeleman piano, keyboards, Fender Rhodes Yoann Serra drums Mit Living Being IV: Time Reflections präsentiert der französische Akkordeon-Star Vincent Peirani die Fortsetzung seines – neben dem Duo mit Saxofonist Émile Parisien – langjährigsten Projekts. Gemeinsam mit Émile Parisien, Tony Paeleman (Keyboards), Julien Herné (E-Bass) und Yoann Serra (Schlagzeug) entfaltet Peirani ein musikalisches Panorama, das weit über die Grenzen des Jazz hinausreicht. Die Corona-Pandemie zwang die Band Living Being zu einer Pause und raubte ihr die Chance auf ein bereits geplantes drittes Album. Heute, einen großen Schritt weiter, überspringt die Band diesen Plan: Auf Album Nummer zwei folgt deshalb Nummer vier. Sinnbildlich für Peiranis Haltung: immer vorwärts – „geht nicht“ gibt’s nicht. Das gilt auch für seine Beziehung zum Instrument, dem Akkordeon, auf dem Peirani so ziemlich alles erzeugt, nur keine typische „Akkordeon-Musik“.Die Ursprünge von Living Being reichen zurück bis ins Jahr 2011: Fünf Freunde, deren Wege sich – unabhängig voneinander – von Südfrankreich nach Paris kreuzten, verbunden durch eine intuitive musikalische Nähe und ein gemeinsames Ziel: klangliche Freiheit und kollektive Kreativität. Heute bildet dieses Quintett eine eingeschworene Einheit, die auf der Bühne wie im Studio mit beeindruckender Selbstverständlichkeit agiert. Peiranis Ansatz als Leader bleibt dabei unverkennbar: kammermusikalisches Denken – wenige Stimmen, aber jede mit einzigartiger Rolle – und der Fokus auf das Zusammenspiel, nicht den Solisten.Bereits der Auftakt des Albums zeigt mit „Le Cabinet des Énigmes“ Vincent Peiranis Gespür für melodische Klarheit und raffinierte Klangschichtung – ein kindlich anmutendes Thema, kunstvoll überlagert, voller Bewegung und feiner Details. In „Better Days“, entstanden während des Corona-Lockdowns, entwickelt sich eine fragile Walzer-Melodie aus der Dunkelheit – ein Hoffnungsschimmer in der Isolation. Mit den ausladenden Kompositionen „Clessidra“, „Inner Pulse“ und der „Bremain Suite“ lotet das Ensemble erzählerische Tiefe aus. Die Länge ergibt sich organisch aus der Struktur – getragen vom gewachsenen Vertrauen der Musiker. Trotz unterschiedlicher Klangfarben erzählen sie dieselbe Geschichte. Im Zentrum des Albums steht die dreiteilige Suite „Time Reflections“ – ein vielschichtig verschachteltes Werk, das Peiranis architektonisches Denken widerspiegelt. Jedes Detail ist bewusst gesetzt, nichts dem Zufall überlassen. Mit „Phantom Resonanz“ gelingt eine überraschende Verbindung: Renaissance-Polyphonie trifft auf zeitgenössische Improvisation – das Akkordeon als Brücke zwischen den Jahrhunderten. In „L.L.“, einer Hommage an Lionel Loueke, und der „Bremain Suite“, die Songs von Queen, Portishead und den Beatles vereint, spielt Peirani mit Tempi und Formen – mutig, stilübergreifend, hochmusikalisch.Living Being ist mehr als ein Bandname – es ist eine Haltung. Fünf eigenständige Persönlichkeiten verschmelzen zu einem lebendigen Organismus, der atmet, kommuniziert und inspiriert. Mit Time Reflections setzen Vincent Peirani und sein Ensemble ein weiteres Ausrufezeichen in der europäischen Musiklandschaft – ein Album voller Tiefe, Vision und musikalischer Poesie.Credits: All tracks composed by Vincent Peirani except #8 – medley from UnderPressure, Glory Box & I Want YouUnder Pressure composed by Freddie Mercury, David BowieGlory Box composed by Isaac Lee Hayes, Geoff Barrow, Adrian Utley,Beth GibbonsI Want You composed by John Lennon, Paul McCartneyL.L is dedicated to Lionel LouekePhantom Resonanz is dedicated to Céline FoucautRecorded by Boris Darley at Studio des Bruères, FranceProduced by Amélie Salembier & Vincent Peirani / Yes les Guy’zzMixed by Nic HardMastered by Dave McNairArtwork by Jérôme WitzBand photo by Elisa RamirezCover photo by Frank SiemersWith the support of SCPP, CNM    

David Helbock - Faces of NightCD / Vinyl / digital David Helbock pianoJulia Hofer electric bass, fretless bass, celloGuests:Lorenz Raab flugelhornMahan Mirarab guitarVeronika Harcsa vocals  Pianist David Helbock und Bassistin / Cellistin Julia Hofer haben viel gemeinsam. Beide sind verspielt, neugierig und experimentieren gerne. Und beide denken perfektionistisch. Das ist eine musikalische Kombination, die sich ausgeht. „Ich war auf der Suche nach einem neuen Gegenüber für eine kleine Besetzung“, erzählt David Helbock, „denn mein letztes Projekt ‚Austrian Syndicate‘ ist zwar eine Herzensangelegenheit, aber auch sehr aufwändig, mit großer Band und vielen Keyboards. Gemeinsam mit ACT-Chef und Produzent Andreas Brandis entstand schließlich die Idee eines akustischen, auf die emotionale Essenz reduzierten Duos – ein Format, in dem die musikalische Kommunikation so direkt funktioniert wie in keiner anderen Besetzung. Und schnell kam ich dafür auf Julia Hofer. An ihr hat mich vor allem die Vielseitigkeit gereizt – und die Fülle der Möglichkeiten, die sich daraus ergeben. Schon in der ersten Probe hat mich ihre Energie sofort fasziniert. Man merkt ihr den Spaß an der Musik schon bei der ersten gespielten Note an und das motivierte mich enorm und ist außerdem sehr ansteckend.“Bassistin und Cellistin Julia Hofer geht ihren künstlerischen Weg in umgekehrer Reihenfolge als normalerweise üblich. In der Regel lernen Musiker:innen ihre Handwerk, werden bekannt und fangen dann an, Unterricht zu geben. Julia Hofer hatte nach dem Bachelor in Wien und noch während ihres Masters an der Popakademie Mannheim bereits millionenfach geklickte Teaching-Videos für den Online-Musikhändler Thomann am Start. Sie unterrichtet außerdem in Klagenfurt und gehört zum Team der Vereinigten Bühnen in Wien. Julia Hofer ist eine Schnellstarterin der österreichischen Szene, Spross aus musikalischem Elternhaus, klassisch als Cellistin ausgebildet, aber stilistisch umfassend aufgestellt. Sie streicht nicht nur poetisch Cello, sondern groovt auch mit energiebasierter Lässigkeit durch das Pop-, Funk- und Fusion-Repertoire von Earth, Wind & Fire und Jamiroquai bis zu den Yellowjackets. Das Besondere dabei: Julia Hofer klebt nicht am Notenblatt. Sie hört lieber genau zu, transkribiert selbst und  kommt den Originalen besonders nahe, indem sie manchmal auch etwas passend verändert.Kein Wunder, dass David Helbock von seiner neuen Duo-Partnerin begeistert ist. Schließlich ist der Pianist und Komponist aus Vorarlberg selbst extrem wandelbar. Mit dem Trio Random Control hat er seinen Ruf als Grenzgänger mit humorvoll virtuosen Fähigkeiten am Instrument begründet. Projekte wie sein „Playing John Williams“ (2019) oder „Austrian Syndicate“ (2023) wiederum verankern ihn im kammermusikalischen Solo-Klavier ebenso wie im Neo-Fusion mit jazzrockiger Wucht. David Helbock ist einer der vielseitigsten Musiker der österreichischen Musikwelt. Und er liebt eben Duos wie zum Beispiel „Playground“ (2022), das ihn zusammen mit der Sängerin Camille Bertault auf die europäischen Club- und Festivalbühnen geführt hat.„Faces Of Night“ mit Julia Hofer, spannt den stilistischen Bogen noch weiter. Denn zum Repertoire des Albums gehören Songs von Prince ebenso wie Thelonious Monks „‘Round Midnight“, die cellofarbige Version von Georges I. Gurdjieffs „Woman’s Dance“, eine soul-funkige Interpretation von Eddie Harris‘ „Freedom Jazz Dance“ oder die überraschende Adaption von Motiven aus Robert Schumanns „Klavierkonzert A-moll“. „Wir haben am Anfang auch noch Effekte ausprobiert, das wurde aber immer weniger. Inzwischen ist es ein bis auf den E-Bass nahezu akustisches Album. Und wir haben wirklich viel geprobt und ausprobiert. Ein schöner Prozess“.Ein paar Gäste kamen dazu, der balladenhaft lyrische Trompeter Lorenz Raab, mit dem David Helbock schon seit zwei Jahrzehnten spielt und die Sängerin Veronika Harcsa, ebenfalls eine langjährige Bekannte, die bei „Freedom Jazz Dance“ scattend improvisiert und Monks „Round Midnight“ einen ungarischen Text verpasst. „Und mit Mahan Mirarab wollte ich auch lange schon etwas machen. Er spielt eine Gitarre mit zwei Hälsen, einer davon fretless, was wiederum sehr gut zu Gurdjieff passt“, erzählt David Helbock von dem zweiten Beteiligten auf „Faces Of Night“, mit dem er zuvor noch nicht gearbeitet hat.Und so hat schließlich im Studio gemeinsam mit Produzent Andreas Brandis ein sehr kommunikatives und musikalisch wild energisches Team zusammengefunden. Im Zentrum agieren mit großer Spieloffenheit und Präzision Julia Hofer und als Gegenstück der auf inspirierte Art getriebene David Helbock. Die Gäste erweitern die Basis und führen die Musik mit neuen Farben über diese Konstellation hinaus. „Am Ende passt das alles auch gut zu dem Titel ‚Faces Of Night‘. Die Nacht ist für mich ein Grenzraum, wo Gegensätze möglich sind und sich ergänzen“. Die Gesichter der Nacht öffnen die Pforten für ein neues Duo, das mit seinem Debüt-Album voller Spiellust und Energie in die Musikwelt startet.  Credits: Produced by Andreas Brandis & David Helbock  Recorded on May 20th and 21st at Wavegarden Studio, Mitterretzbach, AustriaRecorded and mixed by Werner AngererMastered by Klaus ScheuermannCover art (detail) by Tanka Fonta The Meditative Movements; The Dawn Incantations III (2024) Acrylic on canvas,160 cm x 120 cmDesign by Siggi Loch

Limitierte Testpressungen des Albums von Bill Laurance. Ein seltenes Sammlerstück: Eine Testpressung ist die erste Probeplatte eines Albums und dient der Qualitätskontrolle vor der finalen Pressung. Sie entspricht klanglich nicht immer exakt der späteren Veröffentlichung, was sie jedoch zu einem besonderen Sammlerstück mit eigener Geschichte macht. Jede Testpressung ist eine Limited Edition – ideal für Sammler:innen und alle, die Jazz-Vinyl, Raritäten und exklusive Ausgaben schätzen. Album: LumenVÖ: 12.09.2025Diese Testpressungen wurden verwendet, um die höchste Audioqualität vor der Massenproduktion sicherzustellen. In Ihrem ACT-Testpressungspaket enthalten sind:1 Bio-Vinyl-Testpressung in der originalen weißen Schutzhülle. Eine schön gestaltete Karte mit handgeschriebenen Schlüsseldetails zur Veröffentlichung, wie Künstlernamen, Albumtitel, Produktionsjahr und Anzahl der Testpressungen. Album-Booklet im PDF-Format. Dieses enthält einen umfassenden Einblick in das Album mit dem Cover-Artwork, einem sorgfältig verfassten Text über das Album, der Tracklist, vollständigen Produktions- und Performance-Credits sowie Details zur Instrumentierung.Echtheitszertifikat der Testpressung. Dieses Zertifikat bestätigt die Echtheit der Testpressung, die im Rahmen des Qualitätskontrollprozesses vor der finalen Vinylpressung hergestellt wurde. Testpressungen werden nur in begrenzter Stückzahl produziert, um höchste Klangtreue und Fertigungsqualität zu gewährleisten. Jede Testpressung wird sorgfältig geprüft und von unserem Team freigegeben, bevor die Produktion fortgesetzt wird. Dieses Dokument dient als Nachweis für ihre Authentizität und Einzigartigkeit. Zur offiziellen Bestätigung trägt dieses Zertifikat den Firmenstempel. Hinweis: Eine Testpressung ist eine Vorabversion der Vinylplatte, die zur Überprüfung der Pressqualität vor der Serienproduktion verwendet wird. Die Audioqualität kann leicht von der finalen Version abweichen und kleine Unregelmäßigkeiten aufweisen, die Teil des Testprozesses sind. Sie besitzt historischen Wert als Bestandteil des Produktionsprozesses. Bei der Qualitätsprüfung von Lumen wurde auf der B-Seite eine mikroskopisch kleine physische Unregelmäßigkeit festgestellt. Sie ist mit bloßem Auge kaum sichtbar und nahezu nicht hörbar. Dennoch haben wir sichergestellt, dass sie im Produktionslauf korrekt berücksichtigt wird, um die höchste Qualität zu gewährleisten.

Limitierte Testpressung des ACT Debut-Albums von daoud. Nur 1 Testpressung ist erhältlich – ein seltenes Sammlerstück!Album: okVÖ: 29.08.2025Eine Testpressung ist die erste Probeplatte eines Albums und dient der Qualitätskontrolle vor der finalen Pressung. Sie entspricht klanglich nicht immer exakt der späteren Veröffentlichung, was sie jedoch zu einem besonderen Sammlerstück mit eigener Geschichte macht. Jede Testpressung ist eine Limited Edition – ideal für Sammler:innen und alle, die Jazz-Vinyl, Raritäten und exklusive Ausgaben schätzen.In Ihrem ACT-Testpressungspaket enthalten sind: 1 Bio-Vinyl-Testpressung in der originalen weißen Schutzhülle. Eine schön gestaltete Karte mit handgeschriebenen Schlüsseldetails zur Veröffentlichung, wie Künstlernamen, Albumtitel, Produktionsjahr und Anzahl der Testpressungen. Album-Booklet im PDF-Format. Dieses enthält einen umfassenden Einblick in das Album mit dem Cover-Artwork, einem Text über das Album, der Tracklist, vollständigen Produktions- und Performance-Credits sowie Details zur Instrumentierung. Echtheitszertifikat der Testpressung. Dieses Zertifikat bestätigt die Echtheit der Testpressung, die im Rahmen des Qualitätskontrollprozesses vor der finalen Vinylpressung hergestellt wurde. Testpressungen werden nur in begrenzter Stückzahl produziert, um höchste Klangtreue und Fertigungsqualität zu gewährleisten. Jede Testpressung wird sorgfältig geprüft und von unserem Team freigegeben, bevor die Produktion fortgesetzt wird. Dieses Dokument dient als Nachweis für ihre Authentizität und Einzigartigkeit. Zur offiziellen Bestätigung trägt dieses Zertifikat den Firmenstempel. Hinweis: Eine Testpressung ist eine Vorabversion der Vinylplatte, die zur Überprüfung der Pressqualität vor der Serienproduktion verwendet wird. Die Audioqualität kann leicht von der finalen Version abweichen und kleine Unregelmäßigkeiten aufweisen, die Teil des Testprozesses sind. Sie besitzt historischen Wert als Bestandteil des Produktionsprozesses.